インタビュー / INTERVIEWの最近のブログ記事

左から　Chris Peters(1st Part,Bass)　James Gillen(2nd Part,Trumpet)　
　　　　　　　Davin Kingston(4th Part,Guitar)　Grant Heineman(3rd Part, Brushes)　


9月に開催された富士五湖ジャズフェスのために来日し、約一ヶ月もの間、日本に滞在しながら各地で素晴らしいパフォーマンスを披露した、ボーカル・ジャズカルテット、The Bean Tones。
The Beach Boys、やThe Four Freshmen などの40～50年代のボーカル・トラディションを継承しながらも独自のサウンドが人気を集める彼らに、グループ結成の経緯や楽曲制作について伺いました！
（なお、インタビュー時、Davinさんは先に帰国）


[Interview：黒沢綾]
[取材協力：annita artworks / 台東デザイナーズビレッジ]
[通訳：谷ジョー]

The Bean Tones インタビュー

■皆さん初来日！そして(インタビュー時)一ヶ月ほど日本に滞在中ですね。
日本に訪れる前のイメージと、訪れてからの印象を聞かせて下さい。

[The Bean Tones - Chris Peters]
僕は高校時代に日本語を勉強したことがあります。来日前に知っていたのは、クリスマスにKFCを食べる流行りがあるということ(笑)！日本に来てからはコンビニが気に入ったよ。そして日本の人たちもとても大好きになった！

[The Bean Tones - James Gillen]
日本の美しい自然、街並みは想像していた通りです。富士山の素晴らしさや、東京が楽しくユニークな街だということを知ることができました。

[The Bean Tones - Grant Heineman]
ミュージシャン友人から、日本が素晴らしい場所だということは聞いていました。実際、その通りでした。
ライブのお客さんはとてもフレンドリーで、手紙やお菓子をくれたりもしました。アメリカではそういう事はほとんどないので感動しましたね。
そして日本の人々は常に相手を尊重し、親切です。周りの人に愛をもって接する人達だと強く感じましたね。

■今回、日本のメディアでは初めてのインタビューです！

[The Bean Tones]
ハイ、さいこうデス！

■笑！では最初に、The Bean Tones 結成についてお伺いします。
2018年、バークリー音楽大学在学中に結成とのこと。
当初から４人とも40年代、50年代の古いボーカルジャズのスタイルに傾倒していたのですか？

[The Bean Tones - Grant Heineman]
私は古いバーバーショップのスタイルが高校時代から好きでした。大学に入ったらそのような４人組のボーカルグループを作ろうと。The Four Freshmen のような４人組をね。彼らのハーモニーのファンでしたから。
ジャズのアレンジャーとしての経験をいかして、バーバーショップのハーモニーを作り上げることに夢中になりました。

■結成のきっかけはどのような経緯だったのでしょう？

[The Bean Tones - Chris Peters]
そもそもの始まりは、僕ChrisとGrantが大学の寮でルームメイトだったことです。僕らがThe Four Freshmenに夢中だったので、こんなグループを作りたいとSNSでメンバーを募集しました。
50年代の古いボーカルスタイルと18歳ほどの僕ら。そのミスマッチがきっと面白いだろうと思ったのです。その結果、JamesとDavinが仲間になりました。
結成１年目は、大学で一緒に歌うときに会うだけの仲でしたが、１年経った頃には４人とも同じ寮に住んでいました。笑

■仲の良さが伺えますね！皆さんまだまだお若いですが、今までどんな音楽を聴いてきたのですが？

[The Bean Tones - Chris Peters]
全員共通してThe Four Freshmenが好きだという前提で、、
私Chrisは Jonas Brothers が大好き！Grantはジャズ。超が付くジャズ・ガイで、カウントベイシーが特に好きだよね。JamesはBillie JoeとQueen、クラシック・ロックが大好き。Davinはポップミュージックが好きなんだ。
そんな感じで４人とも嗜好がそれぞれ違うから、ユニークな化学反応が生まれているとも言えるんだ。

■なるほど。今日のステージを拝見してそれぞれのバックグラウンドを感じていました。

[The Bean Tones]
アリガトウゴザイマース！！

■そういえば、ライブで使っている個性的なマイクについて教えて下さい。

[The Bean Tones]
Ear Trumpet という素晴らしいメーカーのマイクで、最初はDavinがクリスマスに両親からプレゼントしてもらったものなんだ。50年代ブルーグラスやカントリーミュージックでよく使われるものだけど、僕たちはそれをジャズに取り入れてみた。
ミュージックビデオを撮る際にも見栄えが良く、今はライブ用と２台使っています。

■The Four Freshmenという大きな存在。もちろんリスペクトを前提として「今」この時代にこういった音楽を奏でるThe Bean Tonesらしさ、彼らとの区別化についてどう考えていますか？

[The Bean Tones - Grant Heineman]
The Four Freshmenとは似た方向ではあるけれど、僕たちはそれぞれのシンガーの長所をフィーチャーした作曲やアレンジができる強みがあると考えます。
僕Grantはアレンジャー、ピアニストでもあるので、他のメンバーにハイライトが当たるような編曲を凝らしています。
Chrisは声質がとても良いし音域が広い、同じようにJamesは低めの声が魅了的です。それらにスポットが当たるようにアレンジをします。加えて、Chrisはドラムが好きだからソロを作ったり、Jamesにはトランペットのパートを作ったり。それぞれ得意な分野があるからね。

■ The Bean Tonesのレパートリーはどれくらいあるのですか？

[The Bean Tones - Chris Peters]
ライブでは24〜26曲をプログラムしていますが、常に40曲ほどは用意しています。
新しくアレンジをしながら入れ替えています。バーバーショップやジャズスタンダードからね。
ちなみに僕自身はJonas Brothersの曲を60曲ほど歌えるんだけど、まだ採用されないんだ・・(泣笑)

■次回作の構想はありますか？

[The Bean Tones - Grant Heineman]
もちろん！今はクリスマスアルバムのために動いています。オリジナルのクリスマスソングと、トラディショナルやスタンダードを収録したアルバムにする予定です。
そしてレコード盤でのリリースや、来年はツアーも視野に入れています。今はそれぞれ単独での音楽活動もしているけれど、来年はグループの活動が多くなると思います。

■この日本滞在中に、忙しい間を塗ってレコーディングしていたと小耳に挟みました。

[The Bean Tones - Chris Peters]
そう！NOAHスタジオ吉祥寺に行ったよ！例のEar Trumpetを持参してね。
Davinのプロデュース、Grantのアレンジでピアノを録音したんだ。もともとあった楽曲を完成させるためにね。

■日本からみなさんを応援するにはどうしたらいいでしょう？

[The Bean Tones - Chris Peters]
日本ではみんなSNSを活用しているよね！それらで僕たちの歌をシェアしてくれると嬉しいな！
WEB SITEではニュースレターの登録やTシャツ販売もしているし、オリジナルソングの楽譜も販売しています。
そしてライブの合間や公演後のファンとの交流の時間を大切にして、そういう場を持つようにしているので来てもらえることが一番かな。

■ありがとうございます！それでは最後に日本のファンにメッセージをお願いします！

[The Bean Tones]　
にほんじんがダイスキですー！
どの場所へ行っても、僕たちを歓迎してくれてありがとうございます！
ライブに来てくれた人にも感謝していますし、一緒に歌ってくれた人には驚かされました。
必ずまた戻ってきたいと思います！

招致してくれたjjazz.netさん、サックスの三四郎さん、色々な場所へ連れて行ってくれてありがとうございました。
日本は僕にとってナンバーワンの国！

■ありがとうございました！

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The Bean Tones
クラシックから現代音楽まで幅広いジャンルのオリジナルアレンジやカバーを演奏するボーカル・ジャズ・カルテット。2018年、バークリー音楽大学在学中に結成され、当時はバーバーショップ・カルテットとしてスタート。その後、ボーカル・ジャズ・アレンジを主に演奏。現在はロサンゼルスを拠点に活動。
The Four FreshmenやThe Hi-Lo'sといったグループに影響を受けつつも、独特なカリスマ性のあるサウンドと40年代、50年代のボーカルの伝統を融合させ、新たな聴衆に向けて刺激的なサウンドを生み出しています。
https://www.beantones.com

黒沢綾 (Singer,Pianist)

幼少よりクラシックピアノ、作曲、クラシック声楽を学ぶ。尚美学園大学JAZZ&POPSコースに入学後、自然な流れでジャズに傾倒。在学中よりプロとして活動をスタート。同コースを首席で卒業。以降、都内近郊でジャズシンガーとして着実にキャリアを重ねながらオリジナル曲を制作。2009年アルバム『うららか』、2013年『Twill』をリリース。ソングライターとして確かな実績を持つ。また上田力率いる【Jobim my Love】プロジェクトに10年以上ヴォイスアーティストとして参加。南米音楽への造詣を深める。ジャズの形式を用いた自由な音楽性、歓びに満ちたサウンドスケープをモットーとする。透明感あるクリスタルヴォイス、また楽器としての声による即興的なアプローチを得意とすることからヴォイス・プレイヤーとしてジャズ・コンテンポラリー作品に参加。参加作品は、栗林すみれ『Pieces of Color』、千葉史絵『Beautiful Days』、岸淑香『feat.手』等。またparis matchのコーラスを2011年から務め、Billboard Live TOKYOをはじめコンサートやツアーに参加。相撲と着物とジャズをこよなく愛す和洋折衷シンガー。
現在、インターネットラジオ・ステーションJJazz.Netの番組ナビゲーターをつとめる。
https://ayakurosawa.me/

台湾を代表するサックス奏者・謝明諺（シェ・ミンイェン）と日本のフリージャズ界を牽引してきた山崎比呂志、大友良英、須川崇志の4名によるライブアルバム『Punctum Visus -視角-』が７月２日にリリース。2024年6月に都内で行われたセッションをそのままパッケージ。即興の極限、激しくも繊細なインタープレイを聴くことができる作品です。

日本のミュージシャンと長きに渡り交流を続ける謝明諺。彼ならではの視点でインタビューにお答えいただきました。

■東京のジャズシーンの印象についてきかせてください。

【謝明諺】
東京のジャズスポットの多さ、そしてミュージシャンの数やスタイルもそれぞれ。違う世代でも共通点を持つ人たちがいる事がとても印象深いです。それぞれのスタイルは異なっていてもコミュニケーションを取り合うところが素晴らしいと思います。
また、オーディエンスも積極的にミュージシャンとコミュニケーションをとっています。これは、他の都市ではあまり見られないシーンです。観客とミュージシャンの交流が多いところも印象的です。

■東京はジャズスポットが多いと思います。お気に入りの場所があれば教えてください。

【謝明諺】
一つめは、新宿PIT INN。自分にとって殿堂的な場であり、聖地のような存在です。いつもここで演奏する機会を楽しみにしています。
二つめは、荻窪Velvet sun。東京に来るたびにライブをしています。スタッフさんも共演ミュージシャンも素晴らしくて、まるで自分のリビングルームで演奏しているような雰囲気がとても好きです。
三つめは、稲毛Jazz Spot Candy。民家の一階にあって、アットホームな雰囲気があります。オーディエンスも耳が肥えていて、お店の機材も充実していています。都心から離れていても、わざわざ足を運ぶ価値のある音楽愛のある場所だと感じます。

■初めて日本で演奏したのが2013年。日本での演奏を重ねる中で、特に印象に残ったミュージシャンを教えてください。

【謝明諺】
当時一番影響を受けたのは、ドラマーの豊住芳三郎(とよずみ よしさぶろう)さんです。
初めて日本に来る前に台湾で出会ったフリージャズの名手です。ドラムというメロディのない楽器にも関わらず、彼の音がもたらすパワー、深さ、ユニークさ、など、無限大の可能性を教えてくれた方です。
一緒に台湾でレコーディングした事もあり、その際にご自身の経験やアドバイスなど、様々なお話を伺えました。とても良い経験をさせていただきました。

■7/2に発売されたアルバム『Punctum Visus -視角-』について。
メンバーは山崎比呂志(drums)、大友良英(guitar)、須川崇志(bass)。日本のフリージャズやノイズシーンで知られる方々です。彼らの印象について教えてください。

【謝明諺】
ギターの大友さんは、2019年の新宿PIT INNでの大友良英スペシャル・ビッグバンドを観に行くなど、長らくファンだったのですが、2023年12月の来日時にピアノの遠藤ふみさん、ベースの千葉広樹さんと共に初めて共演をしました。今回のライブ録音は2度目の共演です。懐の広い方で、周りのミュージシャンをサポートする姿にも感心しています。
ベースの須川さんは、2015年の台湾のジャズフェスで一度お会いしていて、その時の演奏がとても印象深かったです。彼の精神的な部分からなる音の深さに感動しています。
ドラムの山崎さんは、以前からレジェンドとして存じていました。今まで聴いたことのないような音に驚愕し、感動しました。音楽に没入する姿も魅力的で、自分を導いてくれているようでした。彼もオープンマインドな方で、年齢の離れた自分とのライブも歓迎してくれました。嬉しかったですね。

■彼らと共演、ライブレコーディングをしてみていかがでしたか？

【謝明諺】
彼らと演奏することに、不安はありませんでした。それは彼らの音のイメージができていたからです。
素晴らしいメンバーの音の中に自分が入ることができ、ミュージシャンとして受け入れていただけたことが、とても嬉しかったです。

■この日の印象的なエピソードありますか？

【謝明諺】
山崎さんが立ってドラムを叩いたり、叫んだりしていました(笑)。立ち位置的に自分からは見えなかったのですが、その音からエネルギーや情熱が伝わってきて、それを受けて自分の演奏にも変化がありました。そんな循環が何度も起こっていたことが、強く心に残っています。

■ジャズ以外のシーンでも活動していますよね。
シンガーソングライター寺尾紗穂さんとの共演について教えてください。

【謝明諺】
彼女が2024年4月、自身のコンサートで台湾に来た際、現地のミュージシャンとコラボをしたいとの打診があり、主催者を通じてオファーを受けました。その時は数曲をコラボし、次回は東京で共演しましょうと約束をして、2024年12月にサントリーホールでの公演（「しゅー・しゃいん」リリースツアー）に招聘いただきました。
彼女のシンプルなメロディに対し、自分という存在がどういう役割を果たせるのか、あれこれ考えずに自然に音に身を任せられたことが、次の縁に繋がったと思います。音楽のスタイルは異なりますが、何かを伝えたいという芯の部分が共通していたように感じます。それは、彼女の音楽から充分伝わってきました。

■台湾に連れて行きたい日本のミュージシャンはいますか？

【謝明諺】
今年の10月に今回リリースをしたアルバムのミュージシャンと一緒に台湾でライブをする予定ですが、それ以外で考えると...ピアニストの遠藤ふみさん。若い世代の中でとても特別な存在です。それからベーシスト高橋陸さんも素晴らしいと思います。
台湾では、ドラマー石若駿さん、ギター井上銘さん、サックス馬場智章さんなどが日本のジャズミュージシャンとして名前が上がりますが、新しいアーティストの音楽も台湾のジャズファンに聴いていただきたいですね。

■今後やってみたいことがあれば教えてください。

【謝明諺】
様々なジャンルやスタイルのミュージシャンとご一緒したいですね、
ライブも今は東京がメインとなっていますが、もっと日本の様々な場所でライブできたら嬉しいと思っています。

■ありがとうございました！

NEW RELEASE

Title : 『『Punctum Visus -視角-』 Artist : 謝明諺 山崎比呂志 大友良英 須川崇志 LABEL : Point. RELEASE : 2025年7月2日 【SONG LIST】 01. Punctum Visus #1 02. Punctum Visus #2 03. Punctum Visus #3 04. Punctum Visus #4 05. 視角 #1 06. 視角 #2 07. 視角 #3 08. 視角 #4 09. encore piece *bandcampデジタルアルバムのみ収録 https://www.pointtenten.com/label

３月に初となる日本ツアーを開催した、韓国ジャズシーンで活躍するサックス奏者「KIM OKI」
スピリチュアル・ジャズ、モダン・クラシカル、アンビエント、ヒップホップ、ソウルまでクロスオーバーした独特の音楽世界は、各地のリスナーの心の深淵にまで届きました。

今回のツアーはレギュラートリオ・KIM OKI SATURN BALLADのメンバーに加え、各地のゲストアクトとして角舘健悟、折坂悠太、角銅真実、maya ongaku、Shhhhh、が出演。
東京ほか、長野、金沢、京都、尾道という情緒あふれる都市を巡った日本ツアーを経たその感想を
メールでのインタビューでお答えいただきました！

【KIM OKI インタビュー】


■初めてのJAPAN TOURはいかがでしたか？⽇本の地⽅の印象など、率直に感想をお聞かせください。

【KIM OKI】
日本は東京と大阪と沖縄以外は行ったことがなかったので、とてもいい機会でした。
どこに行ってもお酒と食事が美味しくて幸せでした。ライブ会場も普段経験することができないような場所だったので、その場所の力を感じながらいいライブをすることができました。


■各地でゲストアクトを迎えてのライブとなりました。特に印象に残った共演者やシーンはありますか？

【KIM OKI】
いいミュージシャンの皆さんと心でライブを分かち合い、ライブ後にも打ち上げまでご一緒して、笑って話を交わせたのが良かったです。
次のアルバムでもコラボレーションができたら嬉しいです。特に、今回ツアーをしながら映画も撮影したのですが、角舘健悟さんがカメオで出演してくれたのも意味深かったです。

■今回の来日は、KIM OKI SATURN BALLAD。チン・スヨン(Piano)、チョン・スミン(Bass)というドラムレスのトリオ編成。メンバーの演奏も本当に素敵でした︕
そんなお⼆⼈について、またSATURN BALLADの⾳楽性やコンセプト、を教えてください。

【KIM OKI】
チン・スヨンとチョン・スミンはそれぞれのソロでも活動している演奏者兼作曲家で、2017年頃にジャズクラブやジャズのイベントで出会いました。2人ともいい演奏家だと思い、すぐに一緒にバンドをやることになりました。





■SATURN BALLADの楽曲はどんな過程で制作していくのでしょうか？

【KIM OKI】
私がメロディーを作り、他のメンバーとコードや形を作っていくやり方と、私が作った曲全体に、チン・スヨンとチョン・スミンがアイデアを加えていくようなやり方ですね。


■東京公演では尾崎豊「I LOVE YOU」のカバーを演奏！この曲を選んだ理由を聞かせてください。

【KIM OKI】
「I LOVE YOU」は韓国でもPositionという歌手のカバー曲で有名です。
兵役に就いていた頃、たくさん聴いた記憶もあります。メロディーがとても良くて、やってみたいと思っていました。著作権さえ解決するなら、次のアルバムにも入れたいですね。


■ちなみに、OKIさんは座って演奏をするスタイル。その理由はあるのでしょうか？

【KIM OKI】
ゆっくりしたバラードを立って演奏するのがちょっとぎこちないのもありましたが、、
映画『ラウンド・ミッドナイト』でデクスター・ゴードンが酒に酔いながら椅子に座って演奏する場面がとてもカッコよく見えて、、(笑)
立って演奏するよりも楽だというのもあります。





■日本ツアーを記念し、日本独占編集のアルバム『Love Japan Edition』を配信とレコードで"BAYON PRODUCTION"よりリリースされました。
収録されている楽曲について教えてください。

【KIM OKI】
私のフル・アルバムの中から、LPで発売されていない曲をたくさん選んでみました。アルバムを企画したマナブさんが選曲してくれたんですが、良い選曲でとても満足しています。


■パンダのモチーフがよく出てきますよね？とても気になります。エピソードを教えていただけますか？

【KIM OKI】
幼い頃からパンダが好きで、よく動物園に観に行っていました。
インターネットの発達でパンダに気軽に触れることができるようになり、今でもパンダのグッズやぬいぐるみを集めています。結論から言うとすごく可愛いじゃないですか！笑
特にチーザイとホーファ、そして日本にいたタンタンが好きです。残念ながらタンタンは少し前に高齢で亡くなってしまいました。。


■よく聴いている音楽や気になるレーベル、シーンはありますか？

【KIM OKI】
最近は音楽を全然聴いていないですね。音楽の仕事をしていると、演奏している時と音楽を作っている時以外は休みたいと思っています。
気になるような音楽シーンも特にはなくて、韓国のレーベルにも関心がありません。海外のレーベルはBayonしか知らないです（笑）。
それより、最近は映画を見ることが多いですね。


■好きなジャズミュージシャンと好きな作品を教えてください。

【KIM OKI】
ファラオ・サンダース氏の全てのアルバムが好きです。
彼の音楽は愛そのもので、強烈でありながら柔らかく、メロディーに美しいメッセージがあります。


■HIP HOPをやっていたそうですが、どんな形で今の⾳楽に影響していますか︖

【KIM OKI】
その経験は大いに役立ったと思います。
特にリズム感やグルーヴの面で、そして演奏のエネルギーを生かすことに活かされていると思います。


■では最後に今後の予定、そして今後やってみたいことがあれば教えてください。

【KIM OKI】
日本ツアーにまた早く行きたいですね。日本のミュージシャンたちとアルバムも作りたいです！



ありがとうございました！

アルバム情報

タイトル：『Love Japan Edition』 アーティスト：Kim Oki -Digital- Release：2024.03.01 (wed) Label：Bayon Production https://ssm.lnk.to/LoveJapanEdition 01. Shine Like a Sunlight 02. Bye [feat. LeeHi] 03. Moonlight 04. Story [feat. Samuel Seo] 05. Fades Again 06. Death Stare [feat. Hippy was Gipsy] 07. Universe [feat. Simun] 08. Dopamine 09. Trauma 10. See you again tomorrow 11. Cotard's Syndrome 12. Undecided Relationship 13. Bipolar Disorder -12inch Vinyl- Release：2024.05.15 (wed) Format：2LP｜33rpm Catalog No：ROMAN-027 Label：Bayon Production https://bayonstand.stores.jp SIDE A 1. Shine Like a Sunlight 2. Bye [feat. LeeHi] 3. Moonlight SIDE B 1. Story [feat. Samuel Seo] 2. Fades Again 3. Trauma SIDE C 1. Universe [feat. Simun] 2. Dopamine 3. Death Stare [feat. Hippy was Gipsy] 4. See you again tomorrow SIDE D 1. Cotard's Syndrome 2. Undecided Relationship

【KIM OKI】
キム・オキはサックス奏者、作曲家、プロデューサーとして、デビュー作『Cherubim's Wrath (天使の怒り)』(2013)から最新作の 『Love Flower (ラヴフラワー)』(2022) に至るまで20枚を超えるアルバムやEPを発表しており、ジャズを基盤としつつもジャンルに捉われない幅広い活動で知られ、2020年には韓国大衆音楽賞で「今年の音楽人」に選出されている。
現在活動中のリーダーバンドにはキム・オキ・サターンバラードとキム・オキ・ファッキングマッドネスがあり、ペク・ヒョンジンのバンド、Bek Hyunjin Cのメンバーとしても活動している。
Say Sue Me、CHS、イ・ミンフィ、THAMA、Lowdown 30、NST & The Soul Source等、他アーティストの作品への客演も多数。

ポーランドの代表格ピアニスト、スワヴェク・ヤスクウケ。
2017年の「THE PIANO ERA 2017」以来６年ぶりとなる来日公演を、昨年５月に行いました。
めぐろパーシモンホール大ホール「POLISH PIANISM Concert」を皮切りに
金沢(白鷺美術)、奈良(listude)、神戸(100BANホール)、岡山(蔭凉寺)、米子(米子新生教会)と、各地で大きな反響を呼びました。


そのツアーの中から、5/18に岡山の蔭凉寺で行ったライヴがこのたびCD化。
エネルギーに満ちた空間を創り出す彼、導き出された音楽。
まばらに滴る小雨のなか、観客を集中・没頭させた特別な時間です。


来日時に応じていただいたインタビューでは
「ピアノと向き合っているのではなく自分と向き合っている」
という彼の言葉がとても印象的でした。


番組でオンエアしきれなかったインタビューと、彼に選んでもらった夜に合うアルバムをこの機会にまとめましたのでどうぞお楽しみください。


[Interview：黒沢綾]
[取材協力：ポーランド広報文化センター]
[通訳：杉浦 綾 (ポーランド広報文化センター)]


スワヴェク・ヤスクウケ インタビュー


■久しぶりの来日ですね。まずは率直な感想を聞かせてください。


[スワヴェク・ヤスクウケ]
ただ興奮してしています。パンデミックのせいでしばらく日本に来ることができなかったからね。
日本はどこか自分に合う雰囲気を感じているので恋しかったんだよ。


■今回は全国 6 ヶ所を回る⽇本ツアーです。
アップライトピアノやセミグランドピアノなど、会場によってピアノが違います。いつもはじめてピアノに向き合う時に⼤切にしていることは？


[スワヴェク・ヤスクウケ]
ポーランド国内で演奏をする時は、常に自分のピアノを持ち歩いているので問題はないのですが、国外や今回のように会場によってピアノが異なるときは、できるだけニュートラルにピアノと向き合うようにしています。
ピアノの状態や年数は様々だけど、できるだけその場にあるピアノに注文を付けないようにしているよ。そのピアノに自分が合わせるんだ。ピアノはあくまでも道具であって、伝えたいことは自分の中にあるものだから。どんなピアノであってもそれが伝えられると確信しているんだ。


■本当にその通りだと思います。
ではピアノのチューニングに関してお聞きしたいのですが、通常は440Hz～442Hzで調律されるものですが、『Senne（夢の中へ）』は432Hz、『Music on canvas』はさらに低い428Hz(！)に調律されたピアノですよね。


[スワヴェク・ヤスクウケ]
私が音楽を作るときのテーマのひとつが『音色を暗くすること』。
まず『Senne（夢の中へ）』の432Hzは、一説によるとマジックナンバーとも言われていたりもするそうだね。私は、調律を低くすることによってより親しみやすいトーンになる気がしたんだ。
『Music on canvas』はラファウ・ブイノフスキの絵画にインスパイアされたから、彼の作品にできるだけ近づけたかったしね。彼の絵画はトーンの低い色で描かれているので、音楽の温度も低くしたかった。本当は415Hzまで最大限低くしたかったんだけど、やってみたらピアノの響きがなくなってしまって、、、少しづつ戻しながらその妥協点を探ったよ。その結果428Hzに落ち着いた。
決してネガティブな意味ではなく、シックで深みのある音を追及して辿り着いたのが、428Hzだったんだ。


その時に演奏していたピアノは普通のピアノではなくて、弦がストレートなピアノで、、、日本だとなんていうのかな？
スウェーデンで作られた世界に３台しかない珍しいピアノ。そのうち、きちんと演奏できるものが１台、たまたまポーランドにあるんだ。専用というわけではないけれど『Music on canvas』を演奏する時には特別に使わせてもらってる。
そのピアノの特徴は、低音の響きが普通のピアノに比べて広がること。それが気に入ってところだよ。


■なるほど。そのようなピアノを使用しているからなのか、弦楽器のような響きを感じました。ピアノは鍵盤楽器でありながら弦楽器なのだと改めて思いました。まるでコントラバスみたいな響きだなと感じたんです。


[スワヴェク・ヤスクウケ]
そこまで感じてもらえて嬉しいよ。まさしくそういう楽器なんだ。構造上、普通のピアノより低音の弦が長くなっているから、コントラバスみたいな響きが聞こえたのだろうね。私自身もそういうサウンドを狙っていたから、そのように感じてもらえたことは嬉しいよ！


■弦がストレートなピアノを調べていただきました。マルムシュー社のピアノですね。マットな質感で、レトロな雰囲気を醸し出していますよね？


[スワヴェク・ヤスクウケ]
『Music on canvas』はブイノフスキの作品に近づけられるよう音色にこだわったよ。まず、そのマルムシューのピアノ、そして録音に関して言うとマイクはアナログで、テープに収録。スタジオも音をありのまま録れるところを選んだりね。


■ありのまま、ですね。鍵盤をタッチする音、息づかい、ホワイトノイズ、など様々な環境音を含めた音像が印象的な作品が多いですよね。


[スワヴェク・ヤスクウケ]
若いころは全く別の音楽をやっていたんだ。ロックとかね。でも人生のステージや生活が変わっていくにつれて、自身の音楽も変わっていったかな。
私にとって大切なことは、普段なら何気ない日常の音ひとつにクローズアップすること。たとえば子供の声、鳥の声。ノイズとしてキャンセルせず大切に拾い上げているよ。
今進めている新しいプロジェクトについて紹介することになるけど、次の作品も自然とともに録音しようかと。テーマは『雨と森と川』といったところかな。
長いこと構想を練っているんだけど、３部構成で考えていて、全体で2.5～3時間くらいの作品になるかもしれない。長い作品になるけれど、まるで雨の中に、まるで森の中にいるような、そんな作品にしたいと思っているよ。
CD収録の際には短くすることはあるかもしれないけど、Spotifyなどのプレイリストでは長編でリリースしようと考えているよ。


■雨と森と川ですか。日本はいま、気候や自然を楽しむにはもってこいの季節です。ヒントがあると良いですね。


[スワヴェク・ヤスクウケ]
そうだね。レコーダーを持参したから、日本の自然の音も録音しようと思っているよ。気に入った音があれば次のアルバムに入るかもしれないね。


■それは楽しみです！それでは最後に、あなたが思う『夜に合うアルバム』を教えていただけますか？


[スワヴェク・ヤスクウケ]
Piotr Orzechowski(ピョートル・オジェホフスキ) というポーランドのピアニストがいます。彼は才能あふれる若手アーティスト。
必ずしも夜に合う作品ばかりではないですが、彼の作品群はとてもおすすめです。
　
Piotr Orzechowski - PIANO HOOLIGAN


　
他には、同じくポーランドのピアニスト、ハニャ・ラニ。
私の場合は即興演奏がメインですが、彼女はほとんど即興はやっていない。クラシカルな彼女の作曲作品は夜にぴったりかもしれませんね。

そして、日本ではあまり知られてないかもしれませんが、Kamil Piotrowicz(カミル・ピオトロヴィチ)というピアニスト。
彼の作品はとても味わい深いので是非ご紹介したいです。

■貴重なお話を、どうもありがとうございました！Dziękuję bardzo！

ALBUM情報

タイトル：『蔭凉寺ライヴ』 アーティスト：Sławek Jaskułke 発売日：2024年1月24日 レーベル: CORE PORT 製品番号：RPOZ-10091 【SONG LIST】 01.Kintsugi　 02.Music on canvas II 03.Flying Flowers 04.Music on canvas I 05.Sea　 06.夕暮れ 07.East & Easy

ポーランドを代表するピアニスト/作曲家。1979 年、バルト海沿岸でポーランド最北部の街プツク生まれ。ジャズのスタイルとポスト・クラシカル、モダン・コンポジション・シーンにまたがる才能溢れるアーティストとして評価され、ポーランドの文化・国家遺産省から「ポーランド文化功労者」の名誉勲章も授与されている。グランドピアノ、アップライトピアノをその表現方法によって効果的に選びソロ演奏する。ピアノの機能を知り尽くしたその演奏スタイルはモジュレイターのセット、フェルトの使用、調律の調整他で自在に独特のアンビエントな音響世界を作り上げる。ジャズではハービー・ハンコック、マッコイ・タイナー、クラシックではバルトーク、ヒンデミット、ラフマニノフ他に影響を受けているがヒップホップやエレクトロニカ、ポストロック等からも影響を受け、ポーランドの若者に大人気だったパンク・ジャズ・ユニット「ピンク・フロイト」にも活動の初期は参加していた。また、映画音楽での活動やモダン・クラシカルの仕事にも関わっている。2002年の初リーダー作以来、共演を含め既に13枚のアルバムをリリースしている。自身が住んでいるバルト海沿岸ソポトの海をテーマにした『Sea』、眠る時の音楽を聴きたいという娘からのリクエストに応えた『夢の中へ (SENNE)』、ポーランド・ジャズ史上最高の作曲家/映画音楽家クシシュトフ・コメダの作品を再構築した『コメダ RECOMPOSED』、ソポト・ミュージアムの野外庭園で鳥の鳴き声などと共に演奏した『パーク・ライヴ (Park Live)』、ポーランド現代美術シーンの先端を走るラファウ・ブイノフスキのペインティング画とコラボレイトした『ミュージック・オン・キャンバス (Music on canvas)』他名作を数多くリリースしている。新作はワルシャワ名門ライヴ・ハウスでのソロ・ライヴ『ライヴ・アット・ジャスミン (live at Jassmne)』。
https://jaskulke.com/

黒沢綾 (Singer,Pianist) プロフィール

幼少よりクラシックピアノ、作曲、クラシック声楽を学ぶ。尚美学園大学JAZZ&POPSコースに入学後、自然な流れでジャズに傾倒。在学中よりプロとして活動をスタート。同コースを首席で卒業。以降、都内近郊でジャズシンガーとして着実にキャリアを重ねながらオリジナル曲を制作。2009年アルバム『うららか』、2013年『Twill』をリリース。ソングライターとして確かな実績を持つ。また上田力率いる【Jobim my Love】プロジェクトに10年以上ヴォイスアーティストとして参加。南米音楽への造詣を深める。ジャズの形式を用いた自由な音楽性、歓びに満ちたサウンドスケープをモットーとする。透明感あるクリスタルヴォイス、また楽器としての声による即興的なアプローチを得意とすることからヴォイス・プレイヤーとしてジャズ・コンテンポラリー作品に参加。参加作品は、栗林すみれ『Pieces of Color』、千葉史絵『Beautiful Days』、岸淑香『feat.手』等。またparis matchのコーラスを2011年から務め、Billboard Live TOKYOをはじめコンサートやツアーに参加。相撲と着物とジャズをこよなく愛す和洋折衷シンガー。
現在、インターネットラジオ・ステーションJJazz.Netの番組ナビゲーターをつとめる。
https://ayakurosawa.me/

やさしくソウルフルな歌声と、深いまなざしを持つ独特の詞の世界で知られるSSWの大和田慧が、新作EP『LIFE』を2021年6月3日 (木)にリリース！

プロデュースは大野雄二 & Lupintic Six、綾戸知恵、モノンクル、Millenium Paradeなどでも知られるマルチキーボーディスト、宮川純。そしてメンバーには、吉田サトシ(g)、伊吹文裕(d)、越智俊介(b)、荒田洸(beat make)、角田隆太(b)といった新世代のジャズミュージシャンが参加。

コロナ禍で生まれたこの新作EPはあらゆる感情を肯定する色とりどりの5曲を収録。
JJazz.Netも注目の1枚です。

そこで今月の新譜紹介番組JJazz.Net「PICK UP」では大和田慧さんのコメントをお送りしています。

この話題の新作やコロナ禍で思うことについて、メールインタビューでもお答えいただきました。
6/29には初の単独公演 at 丸の内Cotton Club 決定しています。


【大和田慧 インタビュー】


■新作EP『LIFE』の楽曲タイプは多岐に渡ります。楽曲制作やそのプロセスについて教えてください。


[大和田慧]
シングルリリースした新曲３曲は、コロナ禍でとことん自分や世界に向き合ったところから書いていきました。
近年のライブや、昨年出したライブ盤の流れから、次作を宮川純くんと制作すると決めていたので、彼と話すなかで「Life」と「Switch」は、いまこういう曲が欲しいよね、という出発点がありました。根幹となる一部のメロディができた段階で純くんに投げて、彼のフィールで弾いてみてもらったり、話し合いながら一緒に作って行きました。それから詞を書いていき、メロも歌詞も納得いくまで何度も書き直しました。とくに「Life」の歌詞は書きたいテーマが大きかったので相当時間がかかり、ようやく書きあげた日の達成感をすごく覚えています。


【大和田慧 - LIFE (Music Video)】



【大和田慧 - Switch (Lyrics Video)】



今回のプロセスの特徴は、全部自宅録音しているところです。ドラムも、スタジオを借りて伊吹くん自身にマイクをたててもらって録音しました。スタジオオーナーさんのご家族、こどもたちに「Life」のコーラスに急遽参加してもらったり、普通のレコーディングスタジオだったら起きなかった嬉しい出来事もありました。コロナによってみんなの宅録スキルがアップして、スタジオの制約がない分、じっくりと作ることができました。私も何度も何度も、とことん歌い直しました。

今回一番化学反応が起きたのは「You will never lose me」でした。一番だけのデモができて、自分は好きだけど暗いだろうか...と思いながら純くんに送ったら、すごくいいじゃん！！と返ってきて、この曲を荒田くんにお願いしてみない？と提案してくれました。荒田くんのトラックメイカーとしての力は素晴らしく、ビートだけでなく、サウンドで全体の世界観を大きく構築してくれました。あまりにも好きな仕上がりになったので、予定じゃなかったのにシングルリリースして、渾身のMVも作ってしまいました。


【大和田慧 - You will never lose me (Music Video)】



初期に純くんの演奏と打ち込みで完成させていた「Seasons」も荒田くんに参加してもらって再構築しました。

「バタフライ・エフェクト」はライブを重ねてきたメンバーでのバンドサウンドですが、私のシンガーソングライターとしてのアコギ弾き語りの良さを大事にしたい、という純くんのディレクションで、ギター主体のアレンジをしてくれました。

我ながら多岐にわたる５曲ですが、EPの曲順に並べた時に、全体のストーリーがつながり、曲の聴こえ方も変わって驚きました。配信でシングルリリースが主体になった時代に、アルバムを作る大きな意味を感じました。


■EP『LIFE』のプロデュースはマルチキーボーディストの宮川純さん。
参加メンバーも吉田サトシ(g)/伊吹文裕(d)/越智俊介（b）/荒田洸(beat make)/角田隆太（b）と、新世代のジャズミュージシャンが脇を固めています。彼らと通ずる部分、共感する部分はどういうところでしょうか？


[大和田慧]
プロデュースしてくれた宮川純くんは、実はすごく歌詞と歌を聴いてくれてる人で、そのうえで、その曲に必要な、大切な音は何かを考えて演奏/アレンジしてくれます。

今回参加してくれてるメンバーはみんなそういうところが通じている気がします。尊敬する、素晴らしい音楽家です。スーパープレイヤーなので、彼らのプレイの凄さだけで惹きつけることが出来る人達なのですが、必要なことをよくわかっていて、歌や楽曲の魅力を最大限に引き出してくれます。抑えるというよりも、調和しながら、でも出るべきところでしっかりと前に出て、それが歌ってる私や聴いてくれる人達の感情を確実に高めてくれます。同じ曲でも、彼らと演奏すると、届けられるものが何倍にもなる、と思ってます。
そして互いに尊敬しあい、この世代の音楽を作っていく意識を持っている人達だと思います。


■EP『LIFE』に収録の「バタフライ・エフェクト」について。
実際の活動にも通ずることかと思いますがこの曲に込めた思いを教えてください。


[大和田慧]
実は３年以上前に書いた曲で、ライブでたまに演奏していましたが、コロナ禍で本当の役目を与えられたような曲でした。きっとこの曲はこの時を待っていたんだと思いました。

バタフライ・エフェクトは、小さな蝶の羽ばたきが連鎖して、地球の裏側で竜巻を起こすといわれる現象です。それくらい世界は響き合っている。今の私達が抱える悔しさも、気付かないうちに、どこかの誰かの救いにつながっているかもしれない。だから何一つ、きっと無駄にはならないし、ひとりひとり自分がこの世界に存在してることを大切に思って欲しい。そんな願いを込めました。

コロナ禍で毎週行ってきたインスタライブでは、この曲を歌うと視聴者のみんながコメントで"青い蝶の絵文字"を飛ばしてくれました。今回EPに収録して、全体のストーリーをつなげてくれています。ライブでみんなと歌える日が楽しみです。


■大和田さんの詞の世界での"別れ"はポジティブなものが多い印象です（例えば「You'll never lose me」）。（恋愛に限らず）一般的には悲しいとされる"別れ"をポジティブに変換できる理由はなぜでしょうか？


[大和田慧]
私は７歳の頃に両親が離婚して、別れというのは人生で不可避なもののような印象がずっとありました。当然悲しい感情もありましたが、彼らの別れはそれぞれが自分らしく生きるための選択であり、始まりのようにもみえました。実際その後そうなっていくのを見ていたし、ありがたかったことに、離婚後も、父はずっと私の父で、母は母であり続けてくれて、私は両親を失わずにいられました。この体験はいつも私の根底にあるような気がします。


■好きなジャズミュージシャンを教えてください。


[大和田慧]
Dianne Reeves、Cassandra Wilson 、Brian Bladeです。
ジャズミュージシャンと共演が多いのに私自身はジャズを勉強したことはなく、ただ一部の好きなものだけ純粋に音楽として聴いてきたのですが、このお三方は大好きで、ライブも何回も行っています。音楽の塊のような人達。豊かで、愛に溢れ、大きくうねる音楽は、魔法使いのようだと毎回感動して、喜びで泣くこともしばしばです。


■コロナ禍が続きます。ミュージシャンとして今思うことを教えてください。


[大和田慧]
去年、仕事やライブがなくなり、人に会えず何ヶ月も人前で歌うことがない状況になったとき、それがこんなにも苦しいと思いませんでした。経済的なことだけでなく、つながりを失ったり、自分の90%が使われてないような、すごく無益な存在に思えて、かなりしんどかった。でも、コロナで仕事や住むところを失った方や、ずっと頑張ってくださってる医療従事者の方、コロナにかかったり大切なひとを失くしたりした方もいるなかで、自分は住むところもあってご飯も食べられている。苦しいと思ってはいけない、と感じてる方も多いんじゃないかと思います。でも、日々のささやかなことであっても「生きてる」と感じることを失うのはやっぱり辛く苦しいのだと思います。心豊かに生きることは、誰もが望んでいいし、誰にでも与えられるべきものなのだ、と改めて感じた1年でした。このメッセージはコロナ禍で噴出した社会の構造問題にもリンクしていると思いました。

ここまで状況が長引いてきて、どんなひとも疲弊していると思います。どうか自分を労ってあげてください。音楽は、その時代を映し、共に生きるものだと感じています。音楽活動もまだ思うようには出来ませんが、今回のEP制作を通して、私自身、とても苦しい時間と、そこから息を吹き返す感覚がありました。一緒に生きましょう、という思いです。


ありがとうございました。


【初の単独公演 at 丸の内Cotton Club 決定】





【公演名】
大和田慧EP『Life』Release Special Live 〜Our Key Of Life〜

【日時】
2021. 6.29.tue
[1st.show] open 5:00pm / start 6:00pm
[2nd.show] open 7:45pm / start 8:30pm

【メンバー】
大和田慧 (vo,g)
宮川純 (key,music director)
吉田サトシ (g)
越智俊介 (b)
伊吹文裕 (ds)
Haruna (cho)

▼URL
http://www.cottonclubjapan.co.jp/jp/sp/artists/kei-owada/index.html

ALBUM情報

タイトル：『LIFE』 アーティスト：大和田慧 発売日：2021年6月3日 ＊CDは数量限定で大和田慧ウェブサイト通販、 ライブ会場にて販売。通販 ​予約受付開始！ 詳しくはこちら 【SONG LIST】 01. Life 02. バタフライエフェクト 03. Switch 04. Seasons 05. You will never lose me produced by 宮川純 Jun Miyakawa

シンガーソングライター、作詞/作曲家。東京出身。
ソウルミュージック、キャロル・キングらに影響を受けた音楽性と、深いまなざしを持つ言葉で、静かにその世界へ引き込んでいく。透明で繊細な歌声はやさしく、ソウルフルに心に触れる。曲ごとに多様なストーリーをみせ、NHKみんなのうた「まどろみ」など、楽曲提供、歌唱も行う。

生まれ育った東京を拠点に活動し、定期的に渡米。NY、LAでライブやレコーディングを行い、2014年にはアポロシアターのアマチュアナイトでTOPDOG（準決勝）まで進出した。
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2017年よりボーカリスト/クリエイターとして大沢伸一氏のプロジェクトMONDO GROSSOに参加し、FUJI ROCK '17出演。作詞を担当した「偽りのシンパシー (vocal: アイナ・ジ・エンド)」はTBS系火曜ドラマ「きみが心に棲みついた」挿入歌として好評を得る。
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2018年、「NHKみんなのうた」のために書き下ろし、Jon Brionとロサンゼルスでレコーディングした「まどろみ」が同局で２ヶ月間オンエア。2019年、Jon Brion、Shingo Suzuki（Ovall)、Michael Kaneko、小西遼（CRCK/LCKS）らを迎えた３年ぶりのアルバム「シネマティック」リリース。同収録の「Closing Time」は清原翔主演のMVと、テラスハウスでもフィーチャーされ話題となる。
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2020年より、キーボーディスト宮川純をプロデュースに迎えた新プロジェクトを開始。コロナ禍に書き上げた賛歌「Life」、WONKの荒田洸を共同プロデュースに迎えた「You will never lose me」、「Switch」を３作連続配信リリース。2021年6月3日にEP「Life」をリリース。

https://www.keiowada.com/

石若駿を中心に結成したカルテット、SMTKのメンバーとしても知られる注目のサックス奏者、松丸契。12/9に個人名義では初となるアルバム『Nothing Unspoken Under the Sun』をリリース。

そこで今月の新譜紹介番組JJazz.Net「PICK UP」では松丸さんのコメントをお送りしています。

この話題の新作についてメールインタビューでもお答えいただきました。


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【松丸契　Kei Matsumaru メールインタビュー】


■昨年リリースのデビュー作『THINKKAISM』との一番の違い、また今作の制作にあたり意識されたこととは？

[松丸契 Kei Matsumaru]
一番の違いはまず作品の構想が作る前から明確にあって、そのために曲を作ったことです。作曲と即興の様々なアプローチで、とても良い形でコンセプトを表現することができました。





■メンバーはおなじみのレギュラートリオ「BOYS」。いずれも素晴らしいミュージシャンですがこのメンバーの特徴、そして松丸さんが思うこのバンドの魅力を教えてください。

[松丸契 Kei Matsumaru]
「それぞれのメンバーの特徴が〜」という以上に、この4人で演奏したときにしか冒険できない世界が存在するということが最大の魅力だと思います。松丸契がフロントでBoysがリズムセクション、という表現は構成的には正しいのですが、音楽を聴けば単純にそういう形でバンドが機能しているわけではないという事が分かるはずです。ただ、これが実現できているのは、それぞれ音楽にもお互いに対しても最大のリスペクトがあるからだと思います。


■ジャズにしては全体的に曲の尺がかなりコンパクトに感じました。意識されてのことだと思いますが理由があれば教えてください。

[松丸契 Kei Matsumaru]
年代によっておそらく平均的な尺の違いはあるのでしょうが、僕は特に短いとは思ってません。今年リリースされたジャズのプレイリストなどをざっと見ても4-6分のトラックが平均的かな、という印象です。ただ、（当たり前のことですが...）録音物は録音物として出せる強みがあり、当然ライブとは聴いた時の印象が違います。表現したかったこと、記録したかったことが収録されている作品ですので、何かと比較せずにまずはオープンマインドに聴いていただきたいです。


■想像もしなかった2020年のコロナウイルスの影響。ジャズシーンも一時ライブ演奏がストップしましたが、コロナ禍どう過ごされていましたか？またこの状況になり音楽家、ジャズミュージシャンとして思うこととは？

[松丸契 Kei Matsumaru]
ジャズシーンは他の音楽シーンより早めに活動が再開した印象ですが、僕は家で練習、勉強、作曲をしていました。基礎を復習したり、時間をかけて新しいことを学んだり。配信ライブは何本もやりました。
音楽家として思うことは、健康であれば、ともかく丁寧に、大切に、自分が自信を持って発表できる作品を作り続けるということ。そのためにはどういう準備をしなければいけないのかを考えつつ、環境が変わっても焦らずにしっかりと前を向いて進むしかないと思います。


■最近気になっているミュージシャンやプライベートで聴いている音楽を教えてください。

[松丸契 Kei Matsumaru]
常に聴くものは変わっていってるのであまり参考にならないと思いますが、他のミュージシャンや音楽関係者が作るプレイリストとかよく漁ってたりします。


■今後の予定。またチャレンジしたいことあれば教えてください。

[松丸契 Kei Matsumaru]
来年も色んなプロジェクトで作品を出していくと思います。できる限りのライブはやりつつ、制作と練習と勉強を続けていきます。

アルバム情報

Title : 『Nothing Unspoken Under the Sun』 Artist : 松丸契 Kei Matsumaru LABEL : SOMETHIN'COOL NO : SCOL1045 RELEASE : 2020.12.9 【SONG LIST】 01. harim tok (for West Papua) 02. ignorance is bliss 03. 虫籠と少年 04. interlude | ˈkænsl̩? 05. it say, no sé 06. 霖雨 07. 夏は短い 08. interlude | kji̥ɕikã̠ɴ 09. 暮色の宴 10. when we meet again

サックス奏者。1995年千葉生まれ。パプアニューギニア出身。2014年に全額奨学金でバークリー音楽大学に入学、2018年に首席で卒業。2017年度ヤマハ音楽奨学生に選ばれ、2018年に第47回Downbeat Competitionで自身のトリオ・オリジナル曲で全米1位を獲得するなど権威ある賞を多数受賞。2019年にデビューアルバム「THINKKAISM」をリリース。ドラマー石若駿率いるバンド「SMTK」では2019年に東京ジャズフェスティバルやTOKYO LAB等の企画に参加し、2020年の春に1st EPと1stアルバムを続けて発表。2020年11月に自身のカルテットでの新作「Nothing Unspoken Under the Sun」をリリース。現在都内を中心に様々な場で活動中。

松丸契Official
https://www.keimatsumaru.com

松丸契Instagram
https://www.instagram.com/kmatsumaru/

チャーリー・ヘイデン率いるグループ、"クァルテット・ウエスト"のメンバーとしても活躍し、ナタリー・コールやダイアナ・クラール、ポール・マッカートニー等、数多くのシンガーの作曲や編曲でも知られる人気ジャズ・ピアニスト、アラン・ブロードベント。

そんな彼のことを敬愛するジャズ・シンガー/精神科医のメイ・オキタさんとのインタビュー。
アラン・ブロードベントさんのジャズに対する姿勢から学べることがたくさんあります。
ジャズを愛するすべてのひとへ。

[Interview：メイ・オキタ]


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【アラン・ブロードベント インタビュー】


May OKita（以下M）：こんな風に直接あなたとお話できるなんて思ってもいませんでした。素晴らしい機会を有難うございます。来日をワクワクしながらお待ちしていました！久しぶりの日本ですが今どんなお気持ちですか？


Alan Broadbent(以下AB)：そうだね、いつだって日本は大好きだよ。ホスピタリティー、人々の優しさ、そして音楽に対する関心、僕の音楽に興味を持ってくれていることもね。ここで耳の肥えたリスナーの皆さんのために演奏すると、とてもインスパイアされるよ。これまでにもたくさんのシチュエーションで来たことがあるんだ。カルテット・ウエストや、何年も前に、アイリーン・クラールとも一度来日しているね。


M：アランさんは私たちジャズミュージシャンにとってヒーローです。素晴らしいジャズピアニストとしてだけでなく、伴奏者、アレンジャー、指揮者としてもよく知られ、チャーリー・ヘイデン、チェット・ベイカー、アイリーン・クラール、シャーリー・ホーン、シーラ・ジョーダン、ナタリー・コール、ダイアナ・クラールなど多くの世界的な音楽家と活動を共にされて来ましたね。アランさんの過去の作品を通じてジャズミュージシャンとして育って来たと言っても過言ではないと思っています。本当にたくさんのことを学びました。


AB：それはとても嬉しいことだね。僕たちのようなミュージシャンはね、家にこもって、練習しているでしょう？だから自分の仕事は本当に皆さんに楽しんでもらえているのだろうかって、ふと思ってしまうことがあるんだ。だからあなたのように音楽を知っていて楽しんでくれている人を見つけると報われる。仕事に没頭しているとね、そういうことが時々わからなくなるんだよ。でもそういう認識でいてくれる人がいるというのは本当に嬉しい。


M：ウェブサイトを見たら、本当にたくさんの作品が掲載されていて。私のお気に入りもたくさんありました。


AB：そう？それは良かった！たくさんあるように見えるでしょう。でも僕のキャリアは約50年にもなるからね。実際のところは1年に1枚といったところだよ。いっぱいあるように見えてもね、ほとんど1年に1枚みたいな感じ。でも自分の取り組んで来たことが人生やジャズにおいてなんらかの意味を成しているとしたら喜ばしいことだし、いつだって自分たちの奏でる音楽は愛を伝えるために重要だと感じているよ。
この商業ベースの世の中では、全てが何かを売るためだったり、お金だったり、"ミリオンセール"を狙ったようなものばかり。でも、我々にとって音楽は、もっと心に近いものなんだ。


M：その想いはあなたの音楽から確かに伝わっていると思います。


AB：有難う。それが、僕が音楽をやっている理由だからね。


May OKita（以下M）:そして私たちがあなたを大好きな理由でもあります。


AB：(笑) そうだね...


M：私はアランさんのトリオのようなインストゥルメンタルの音楽も大好きですし、最新作も大好きです。それからカルテット・ウェストはただただ素晴らしいですね。現代のジャズミュージシャンにとってはバイブルのような作品だと思います。


AB：『Sophisticated Ladies』というアルバムは持ってる? あれは素晴らしいアルバムだよ。


【If I'm Lucky / Charlie Haden Quartet West - 1 - Sophisticated Ladies / 2010】

【Charlie Haden Quartet West feat. Norah Jones - Ill Wind】



M：はい、私のお気に入りの1枚です！シンガーとしてはアイリーン・クラールとのことについてもっとお伺いしたいです。言うまでもなく『Where is Love?』 は大好きな作品ですが、あれはシンプルにスタジオに行き彼女とともに奏でたというタイプの録音なのですか？それとも事前にある程度内容を計画していましたか？


AB：あれはまさに、その通り。君の言う通りだよ。何の計画もしていなかったね。僕たちは約1年くらい一緒に仕事をしていたんだけどね。彼女の依頼していたピアニストがギグに来られなくなって、それで呼ばれたのが出会いだったんだ。僕のことは噂に聞いていたらしい。それ以来リハーサルをするようになって、翌年にはロサンゼルス近辺でライブをするようになって、その中で演奏した曲をいくつか録音することにしたんだ。だからスタジオに行って「アイリーン、何やりたい？」「うーん、わかんない、どれがいい？」というような感じだったね。そう、計画的なものではなかったんだ。自然発生的な感じだったね。ジャズってそういうものであってほしいと思うのだけど。


【Irene Kral - Where Is Love? (1974)】



M：すごい作品ですよね！ジャズシンガーはみんな『Where is Love?』 と『Gentle Rain』の2枚は聴いていますね。他にも『Kral Space』という作品がありますね?


【Irene Kral - Ev'rytime we say goodbye (1977)】



AB： うん、僕にとってはあれがベスト作だね。でも入手するのがとても難しくなってしまっている。


M：そうなんですよね。私はジャズの先生にこれらのアルバムを徹底的に聴き、あなた方の奏でたものを感じ、真似することでそこから学ぶということを教えていただきました。なので本当に繰り返しこのアルバムは聴いてきました。


AB：でもそうやって名人の演奏を聴くというのが、我々みんながジャズを学方法だと思うんだよね。コピーをするけれど、スタイルを真似るのではなくて、ミュージシャンシップを模倣するんだ。それがフレージングや、イントネーションを教えてくれる。本当に重要な学び方だと思うよ。アイリーンのようなミュージシャンが他のシンガー達のためにこういう遺産を残してくれているからね。


M：アランさんの音楽を聴いているといつも感じるのですが、コンピングをされるときに、ヴォーカリストやソロイストが一番輝くよう最善のハーモニーを奏でていらっしゃいますね。そしてご自身がソロを弾かれるときは、心の通った美しいストーリーがそこにある。どのようにしてそのような、ジャズに対する美しい哲学、フィロソフィーをご自身のものにしてこられたのですか？


AB： そうだね、説明するのが難しいな。僕はオーケストラも好きでね、オーケストラも書くんだよ。なのでそれは自分のピアノの演奏にも現れていると思うんだ。それに、オーケストラを考えるとき、例えばシンガーがその曲を歌う時のように、僕はピアノを弦楽器かなにかのように奏でているのかな、と。もちろん弾いているのはピアノなんだけど、オーケストラのように聴いているんだよ。
インプロヴィゼーションをするときは、ただ直感的に弾いていると言っていいかな。それと自分のハーモニーの知識、リズムの知識、チェット・ベイカーたちみたいに美しいフレーズを創るということも大事。でもその時、自分はピアノ奏者というよりは、管楽器奏者やシンガーであるかのように自分のことを思っているんだ。その結果、僕のラインは声を連想させるようなシンギング・クオリティーになっているというわけ。


M：アメリカのAll About Jazzというサイトに8ページにわたるインタビューがありましたね。その中にあなたが学生の頃、レニー・トリスターノのレッスンを受けるために飛行機でニューヨークに通ったというお話がありました。レニーさんがレスター・ヤングのフレーズを彼の前で歌うように言って、OKをもらえるまでピアノを弾かせてもらえなかったというお話です。とても興味深いストーリーで、あのインタビューを読んで多くのことを知りました。


AB：僕もそこからたくさんのことを学んだよ！最近のジャズピアノは、声と繋がりを感じられないことが多くてね。ピアノのテクニックを連想させられてしまうんだ。それは素晴らしいことだし、印象的だとも思う、でも自分は同じようにはできない。感動できないんだ。僕は、ピアノの音楽だけを求めているんじゃなくて、管楽器奏者のように自分に歌を歌ってくれているようなピアニストを聴きたいと思っている。ピアノの音楽を聴きたいなら、ショパンを聴けばいいでしょう。


M：おっしゃる通りですね。


AB： ショパンの音楽には素晴らしいテクニック歌心のコンビネーションがあるんだ。ショパンは彼の生徒にいつも"歌いなさい""歌わなくちゃ！"と言っていた。それがショパンだった。知っていたかい？


M：いいえ、そこまでとは。


AB： 素晴らしいピアニストっていうのは、シンギング・クオリティーを持っている。ただテクニックが優れているだけではなくてね。特に僕はシンガー達と共演するから、そういう視点で理解する必要があったんだ。


M：それぞれのシンガーごとに、このような美しいアレンジを思いつくための方法はあるのですか？


AB：そうだね、即興で浮かんでくることもあるんだよ。ジャズシンガーっていうのは、君もわかっていると思うけど、フレキシブルなんだ。毎回全く同じことをしたいというわけじゃない。もしそうなら、つまり何も変えずに演奏するのなら、それはクラシックやポップスってことになる。でもジャズでは、毎回変化が欲しいでしょ。その方が面白いし、チャレンジングだし、楽しいから！ルールは曲げたって構わないし、リスクをとって冒険をする。それがジャズってもんでしょ。リスクをとること、そして愛を持って演奏すること。


M：そうですね。アランさんが演奏でリスナーの心に何かを伝えようとするとき、どんなことがもっとも大切だと思いますか？先ほど仰ったように、愛、ですか？


AB：そうだね、当然だけど、愛だけ考えていればいいってものじゃないよね。正しいコードを弾くこと、リラックスすること、音で会話をすることなんかもしたいと思っている。本物のジャズミュージシャンだったら、ヴォーカリストでも管楽器奏者でもピアニストでも、本当に何が起きるかわからないでしょう？だから人生も、ちょっと危険だけどそういう風に生きていくわけ。例えば"今日はどの曲をやるかわかっている、何千回と演ってきた曲だ。でも次に弾く時は二度と今日と同じようにはならない"という感じにね。だって違うものなんだから。そのことを考えると時々怖くなるよ。"どうしよう、どうしていつも同じことを同じようにやるという風にはできないんだろう、そうしたら心配しなくていいのに！"ってね(笑)

でもジャズはそうじゃないんだから仕方ない。それが自分たちの選んだ生き方だしね。だから、僕にはコードを変えて弾く自由があるんだ。"ここでこのコードは弾いたことがないな"って。でもそれは曲の前後関係を壊さない範囲でだけどね。もしそれをポップスでやってしまったら、というよりも、ポップスではできないよね。もしポップスやラップの曲、その他の商業的な音楽でコードを変えたりしたら意味が変わってしまうから。


M：過去のインタビューではリズムについても語っておられましたね。ジャズのリズムについては、どのように身につけられたのですか？


AB：ええと、リズムは、とても若い頃に理解したんだ。感覚がわかったというか。そして、ジャズのフィーリングというのはとても奥が深く、とても特別だということも。それはモダン・ピアニストのバド・パウエルやナット・キング・コールらによって変化していったんだよ。ピアノで"歌う"という力だね。それまでのテディー・ウィルソンやアート・テイタムといった素晴らしいプレイヤーたちの時代、ピアノはもっときらびやかな、飾りのようなものだったんだ。素晴らしいプレイだったけれど、ソロイストとリズムセクションの間に張力があるような、左手と右手の間の緊張した関係というものがなかった。そういうわけで、タイムはまっすぐ真ん中というわけじゃないんだよ。ソロイストはタイムを曲げられるということだね。

そして、君たちはそれを感じることができる。バド・パウエルが教えてくれたのは、リズムというのは僕が創っているインプロヴィゼーションのラインだということ。それは、リック(譜面に書き起こされたジャズの常套フレーズ)にはないんだよ。"boom chik boom chik boom chik"っていうポップスのリズムにはないんだ。"Do ba da ba da ba du ba pa da da"って僕がやったら、そのリズムが何だかわかると思うよ。1つ1つ細かく説明しなくてもわかるはず。"pa pa da da ba do du da"ってね。でももし僕がストレートに演奏したら(8ビートのように)、スウィングしていないよね。どうやって"pa pa pa du ba da ba du da" とやるのか、学ばなくちゃならないんだ。ピアノ奏者にとって、それを自然にクォンタイズするのは難しいことなんだ。管楽器奏者は自然にできるけどね。でもピアニストは正しい運指でそれをする方法を学ばなくちゃならない。テクニックの話はあまりしたくないんだけど、でも、僕にとって、リズムは曲や自分の弾いているラインになくてはならないものなんだよ。


M：奏でるメロディーということですか？


AB： うん、そして、即興の時に弾くメロディーもね。


M：そうですよね。


AB： だから、全部同じ感じで"da-da-da-da"ってするんじゃなくて、"da-DA-da-DA" という風にアクセントがつく。そういうフレージングが弾けるようになるには、ピアニストは学ばないといけないんだ。


M： ヴォーカリストもです。


AB： そうだね、シンガーは自然にやっていると思うよ。自分の生徒を教えていた時に、ピアノでそれをやろうとすると固くなってしまってね。でも僕が"メトロノームを止めて、歌おう"って言ったら全てが変わったんだ。リズムがちゃんとそこにあった。僕らは自然にそういう風に歌っているんだね。それをどうやって楽器で弾くかは身につけなくちゃいけないんだ。だからシンガーは有利だと思うよ。素晴らしいシンガーはビリー・ホリデイのように、タイミングを押したり引いたりすることを知っているよね。アニタ・オデイも天才だね。彼女が日本のビッグバンドと共演しているビデオがYouTubeにあるよ。恐ろしいくらいすごい！観たことある？本当にすごいんだ！彼女がレイドバックするところも、流動的に歌っているところも。彼女はさほど気にしている様子もなく、トップで漂うように歌っていて、しかもスゥイングしている！！


【Anita O'Day. Love For Sale】



それがジャズの好きなところなんだ。あの感じ。それから僕の先生、レニー・トリスターノが言っていたことの1つにね、"ジャズはスタイルではない"という言葉がある。ジャズにはたくさんのスタイルがあるでしょう。でも、ジャズは"フィーリング"だって言うんだ。そしてまともなジャズミュージシャンになりたかったら、その"フィーリング"は欠かせない、と。そうでなければポップスやその他の音楽でもやるんだね、と。


M：そんな貴重なお話をシェアしてくださって有難うございます。私たちみんな、心に留めておくべき大切なお話ですね。


AB：そうだね。メトロノームのようにタイムがしっかりしている、ということは大事だよ。でも僕はメトロノームじゃないから。メトロノームは放っておいてもストレートに行くでしょ。でも僕はその周りを曲がりくねって進んで行く。僕のプレイを聴いた時に、その感覚を掴んでもらえると良いのだけど。そう、メトロノーム は大事だけど、ね。だって、あんまりにも遠くに僕が行ってしまったら、タイムを引きずってしまったり、走ってしまったりするからね。でもそんな中にも道は用意されていて、少し急いだり、後ろに寄りかかったり、という風にやるんだよ。ゴムのバンドのような感じで・・・常に変化するんだ！シンガーがどんな風に感じているかによってね。同じ曲でも、ビリー・ホリデイが明日歌うのは、以前歌った時とは違うはずだから。彼女は自分が感じた通りに、おそらく、違うフレージングをするでしょう。そして、それこそが僕たちが求めているものなんだ。


M：シンガーと演奏することのどんなところがお好きですか？


AB：オーケストレーションすること。ピアノでオーケストラのように奏でることかな。オーケストラが大好きだから、ね。アイリーンが長生きしてくれなかったことが残念だよ。やっと僕らしいオーケストラのアレンジの書き方をマスターできたのに、彼女のために書くことができないなんて。機会を逸してしまったよ。


M：そうでしたか・・・。オーケストラのように弾くことが大好きとのことですが、そのほかにもシンガーとの共演でお好きな部分はありますか？


AB：そうだね、そこに声がある、というのは全体でどうかという体験でもあるからね。僕にはお気に入りの作曲家がいるんだ。彼の音楽なしでは生きていられないくらいの。グスタフ・マーラーだよ。どうやって彼が声に伴奏をつけるか、それは・・・説明が難しいのだけれど。"ギブ＆テイク"っていう表現があるけれど、歌い手が少し何かをくれて、僕がそれを受け取る。そして僕が少し手渡す。そうやって互いに影響し合いながら曲を進めていくんだ。それがベストな方法。


【The Best of Mahler】



M：まったくその通りですね。アランさんのピアニスト、アレンジャー、作曲家、指揮者としての今後の目標は？


AB： うーん、同じだね。僕の目標は常にトライし、良くなること。この歳になってもね！未だに僕はオーケストラを、グスタフ・マーラーを、チャーリー・パーカーを理解したくて、骨を折っているよ。目標は決して終わることはないね！なぜなら、一旦とある部分に達したら、まだその先があるから。だから、僕らは決して終わらない目標を求めて、生きているというわけ。君達も、ある程度達成して、さらにその先へ、と歩んで欲しいな。


M：ご自身をクリエイティブに保つ、その情熱の源は？


AB：間違いなく、グスタフ・マーラーへの愛だね。こう思っているのは世界中で僕だけじゃないと思うよ。たくさんの人がそう感じているはず。彼の音楽は僕たちに、少なくとも僕に、他の音楽とは違う方法で影響を与えているんだ。110年、120年も昔の音楽だよ？マーラーは時を超えて僕の心を動かし、こう言うんだ。" アラン、僕は君に聴かせたいものがあるんだ"と。
それからショパンも同じことを僕にしてくれる。8歳の頃にショパンを聴いてね。僕の中の何かが語りかけたんだ。友達には言えなかったよ。8歳の友達に"ショパンが僕に語りかける"だなんて言えるはずもないよ。言ったらクレイジーだって思うだろうからね！でも僕は、それを自分自身の中で留めておいた。そこには常に音楽の力があるということがわかっていたんだ。そうして僕はジャズと出会ったんだ。ジャズにはすぐに夢中になったよ。今、目の前に存在しているということ。全ての音にね。素晴らしい即興演奏ができるミュージシャンは、いつも、今目の前で起きていることを大切にしている。それは禅にも通じるものがあると思う。方向性はとてもクリアなんだ。
そう、グスタフ・マーラーや僕の好きなミュージシャンの力こそが、僕のクリエイティビティの源だよ。


M：最後の質問になりますが、ジャズのどんなところを愛していますか？日本のシンガーやその他のミュージシャン、ジャズを愛する方々へのメッセージは？


AB： 僕が近いと感じているミュージシャンはビル・エヴァンス、特に病んでしまう前の若い頃の録音。そしてバド・パウエルはとてもとても重要。もちろんチャーリー・パーカーも。チャーリー・パーカーを挙げないわけにはいかないね。それから僕らが大好きな他のミュージシャンみんなも。 でも僕にとって一番重要なミュージシャンはマーラー、ショパン、バド・パウエルとチャーリー・パーカーだね。一生学んでいくものだからね。ジャズプレイヤーになりたいと思っていて音楽を愛しているシンガーやピアニスト、その他どんな楽器奏者にも言えることは、自分が好きだと思うものを見つけたら、そこから学ぶこと。その全てについて学ぶことだよ。

ビリー・ホリデイのビブラートが好きだったら、その全てを。彼女が小節線を超えてフレーズを歌うことが好きだったら、それをできるだけ詳しく学ぶんだ。街を歩いている時にも思い出せるように。その演奏のどこをとっても頭の中で止めることができ、ビリー・ホリデイが頭の中にいるかのようになるまで。もしそれができていたら、自然とそれらが君に教えてくれるようになる。コピーするのではなくて、君らしくなると言うことを、どうやってそうなれるのかということを教えてくれるんだ。 それがジャズを学ぶ方法だと思うよ。クラシックを学ぶ方法はもっと決められているよね、スケールを身につけて、ショパンの曲やエチュードを知っていなくちゃならないし、考え始める前になんでも知っている必要がある。でもジャズは、もう少しゆるりとしている部分があって。バド・パウエルは決してユジャ・ワンのようには弾かないからね。

ところで、余談だけど、ユジャ・ワンを知っているかい？クラシックのピアニスト。僕の意見だけど、彼女はこの世で一番素晴らしいピアニストだと思っているんだ。ホロヴィッツやルービンシュタイン、ホフマン、ミケランジェリやそれ以外の素晴らしいピアニストたちも含めて、だよ。ラン・ランもいるけどね、でも、ユジャは楽曲をあたかも彼女が作曲したかのように弾く力を持っているんだ。昨夜観たインタビューでもそう話していたよ。演奏している時に、時々その曲を作曲しているかのように感じるんだって。そして、まったく違うジャンルを弾いているけれども、僕には彼女がジャズミュージシャンのようだということがわかるんだ。
彼女がラフマニノフのピアノ協奏曲第2番を弾くビデオを観てごらん。聴きやすいと思うよ。彼女は他の誰とも違う弾き方をするんだ。クライマックスのシーンがすごいから。彼女は僕をがっかりさせないんだ。 彼女は僕に言われなくたって素晴らしいんだよ。いつかあなたは素晴らしいって、本人に言ってみたいけどね！(笑)


【Yuja Wang: Rachmaninov Piano Concerto No.2 - 3rd Movement】



さて、僕が言いたかったのは、僕らが好きなこの音楽は皆に何かを売り込むようなものじゃないということなんだ。ギフトとして僕らのところにやってきたんだ。それからユジャは天賦の才能を持っているね。彼女はアートを愛する人の人生を意味あるものにするんだ。日本の人々はアートへの意識が最も高いということを僕は理解しているよ。本当にそう思う。日本人の素晴らしいアーティストがたくさんいるよね。千年も前の伝統的な日本のアーティストは言うまでもないけれど。そういうわけで、アートへの高い感度というものが文化の中に備わっているんだよ。僕たちミュージシャンは日本のその点を最も高く評価していると思うよ。


M：貴重なお話ありがとうございました。


[Interview：メイ・オキタ]





【Alan Broadbent - new solo piano album "To the Evening Star" - Sept 8, 2019】



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