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チリ出身、現在はNYを拠点に活躍するシンガー/ギタリストのカミラ・メサ。

2016年の前作『Traces』ではシャイ・マエストロやケンドリック・スコットらが参加、近年は彼女の溢れる才能に世界中が熱い視線を送っています。

今年5月には弦楽四重奏からなるアンサンブル、The NECTAR ORCHESTRAとの最新アルバム『Ambar』をリリース。そして、その作品をたずさえて先日来日、完成度の高いアンサンブルを披露し観客を魅了しました。

今月10月の番組「PICK UP」では、そんなカミラ・メサとのインタビューを紹介しています。

https://www.jjazz.net/programs/pick-up/
(配信期間：2019年10月2日～2019年11月6日)

そして番組で紹介しきれなかったインタビューをこちらにまとめました。
番組と共にお楽しみ下さい！

[Interview：黒沢綾]





カミラ・メサ インタビュー


■5⽉リリースのニューアルバム『Ambar（アンバー）』 は弦楽四重奏を含むオーケストラ編成での作品。今までの作品とは違う新たな⼀⾯を見せていただきました。弦楽を取り⼊れたアンサンブル作品に行き着いた理由を教えて下さい。

[カミラ・メサ]
そもそもの始まりは6年ほど前。つまり前作『Traces』と並行して企画は進んでいたことになるわね。あのアルバムのサウンドは今回のサウンドとは随分違うものだけど、あの時点で今回のベースプレイヤーでもありストリングスアレンジを手掛けてくれたノーム・ウィーゼンバーグの共同作業が始まっていました。かねてから弦楽四重奏の音に惹かれていたという事もあって、今回のアルバムの方向性が見えてきた感じ。弦楽四重奏のサウンドはとてもリリカルで、シンガーとしてインスパイアされるものがあるサウンドなの。


■The NECTAR ORCHESTRAのレコーディングメンバーについて教えてください。

[カミラ・メサ]
まずはピアノとキーボードのエデン・ラディン。彼とは学生時代の友人だけど卒業してからの音楽活動が多いわね。そしてご存じ、ケイタ・オガワ。日本のドラマー、パーカッショニスト。それから先程紹介した、ベースのノーム・ウィーゼンバーグ。で、ニューヨークのオリジナルメンバーの中には日本人バイオリニスト大村朋子さんがいます。そしてフォン・チェム・ホェイ(バイオリン)、ベンヤミン・フォン・グートツァイト（ヴィオラ）、ブライアン・サンダース（チェロ）というメンバーです。


■オーガニックでありながら現代的なサウンド。作曲やサウンド⾯で今回特に意識されたことは？

[カミラ・メサ]
重要視したことのひとつとして、曲の持つストーリーを伝えるということ。そして音の重なり。例えるなら絵画のような。見るたびに違うディテールに見えてくるような感じ。その時の自分の感情によって、異なる部分に惹かれることがあるでしょ。The NECTAR ORCHESTRAはそういった体験をしてもらおうと意図しているの。アルバムを聴く度、以前は聴こえなかった音が聴こえるという新たな発見があればと。それは、作る側としても聴き手としても好きなアプローチなの。


■アルバムを通して生命力のある一枚だと感じました。タイトル『Ambar』にこめた意味を教えてください。

[カミラ・メサ]
生命力、それがこのタイトルにこめた想いと繋がります。感じてもらえて嬉しいわ。
『Ambar』（＝琥珀）という言葉には様々なメタファー（隠喩）が含まれている。木々が排出した樹液が時間をかけて化石化し、のちに琥珀となる。樹木に傷がついた時、自らの樹液で補修、癒してゆくというプロセスがあるの。だから自らが秘めているパワーをこの言葉は表しています。
同時に、石になった琥珀そのものが「ネガティブなものをポジティブにエネルギー変換する」という意味合いを持つ石だということも後から知ったわ。曲を創作する、音楽を表現する過程とはそういうものよね。自分から発するものが琥珀という結晶となって皆さんのもとに届く。癒し、とは美しい概念だと思います。


■サウンド面に注目されることが多いと思いますが、私はシンガーソングライターとして作詞のプロセスにも興味があります。どういったヒントやアイデアから言葉を生むのでしょう。

[カミラ・メサ]
ここ6年くらいを振り返って思うのは、歌は「祈り」に近いものだということ。自分が書いたものをパフォーマンスするたび、歌詞を反芻しているわけよね。繰りかえし繰りかえし。だから言葉は大切だし尊重しないとね。だって、言葉の積み重ねで自分の現実は出来上がっていくものでしょう？だから慎重に注意を払っているわ。特に、悲しみや葛藤の感情。どうやっても自分の中では解決し難い、どちらかというと居心地の良くない感情を歌詞にする時ね。そういう時は、自分自身を友人と見立てて語り合っている事にするの。「大丈夫だよ」「うまくいくから」と言ってあげて安心を得ていくの。すると歌うたびにその居心地の悪かった感情が良いものに変わってゆく。それが歌詞を書くことの醍醐味だと思ってるわ。
分かりやすい題材としては、自然、人間関係、色彩、人生そのものがインスピレーションになっているわね。


■あなたの作品は現代ジャズシーンからも注⽬されています。 NYに渡って10年ほど経ちますが、NYジャズシーンがあなたに与えた影響は？

[カミラ・メサ]
やはりとても刺激的ね。現地の人々、特に音楽に関わっている人たちって、常に一番いい自分でいるよう努めている。最高の音楽が作れるようにと。そういった一人一人のエネルギーが伝染するのね、私も最善を尽くしたいと常に思っているわ。そういう環境にいることが一番の刺激ね。


■旅やコンサート続きだと思いますが喉のケアや普段気遣っていることを教えてください。

[カミラ・メサ]
とにかくたくさん水を飲む。あとヨガ。朝、習慣的にやりたいと思っているけど時差ボケが酷い事もあってなかなか難しいけど。あとは睡眠が大事！って分かっているけど、コンサートが終わったら皆で盛り上がっちゃう時もあるし。（笑）、でもやっぱりショーの直前にはウォームアップが欠かせない。いきなり筋肉を使うことがないように心掛けているわ。


■気が早いですが、次回作の構想などあれば教えてください。

[カミラ・メサ]
実はつい最近NYでパフォーマンスをした「PORTAL」というタイトルの１時間分の音源はあるの。それとは別として、やりたいと思っていることは沢山ある。いつかやりたいのはソロアルバムを作ること。その時はエレクトリック要素も入れたいわ。そしてラテン系、具体的に言うと故郷チリのミュージシャンに捧げるテーマで作品作りがしてみたい。ほかにも色々と考えてるので楽しみにしていて！


[Interview：黒沢綾]


【Camila Meza - All Your Colors (Official Video)】



【Camila Meza & The Nectar Orchestra (Live) | JAZZ NIGHT IN AMERICA】

ALBUM情報

タイトル：『Ambar』 アーティスト：Camila Meza 発売日：2019年5月29日 レーベル: CORE PORT 製品番号：RPOZ-10047 【SONG LIST】 01.カルフ 02.ワルツNo.1 03.アウェイクン 04.ディス・イズ・ノット・アメリカ 05.オーリャ・マリア 06.夕暮れ 07.オール・ユア・カラーズ 08.ミラグリ・ドス・ペイシェス(魚たちの奇跡) 09.インタールード 10.アンバー 11.フォール 12.ククルクク・パロマ

CAMILA MEZA [カミラ・メサ] プロフィール

チリ出身のシンガー／ギタリスト／作曲家。16才から活動を開始して2枚のアルバムをリリース後、NYニュースクールに入学してからはNYを拠点として活動。ファビアン・アルマザン、ライアン・ケバリー他多くの話題作に参加しつつ2016年作『Traces』で本格的にシーンの重要人物として脚光をあび、2年連続でダウンビート誌クリティック・ポール「Rising Star」に名を連ねる。2016年シャイ・マエストロとのデュオで日本ツアー、2017年はヨーロッパ・ツアー、ライアン・ケバリー・カタルシスのメンバーとして来日、さらにシャイ・マエストロ・トリオのフィーチャリングとして東京JAZZに出演。近年はストリングス・カルテットを擁したThe Nectar Orchestraを率いて活動中。そのグループと共に2019年に待望のメジャー・デビュー・アルバム『Ámbar』を発表。

https://camilameza.com/

黒沢綾 (Singer,Piano) プロフィール

幼少よりクラシックピアノ、作曲、クラシック声楽を学ぶ。尚美学園大学JAZZ&POPSコースに入学後、自然な流れでジャズに傾倒。在学中よりプロとして活動をスタート。同コースを首席で卒業。以降、都内近郊でジャズシンガーとして着実にキャリアを重ねながらオリジナル曲を制作。2009年アルバム『うららか』、2013年『Twill』をリリース。ソングライターとして確かな実績を持つ。また上田力率いる【Jobim my Love】プロジェクトに10年以上ヴォイスアーティストとして参加。南米音楽への造詣を深める。ジャズの形式を用いた自由な音楽性、歓びに満ちたサウンドスケープをモットーとする。透明感あるクリスタルヴォイス、また楽器としての声による即興的なアプローチを得意とすることからヴォイス・プレイヤーとしてジャズ・コンテンポラリー作品に参加。参加作品は、栗林すみれ『Pieces of Color』、千葉史絵『Beautiful Days』、岸淑香『feat.手』等。またparis matchのコーラスを2011年から務め、Billboard Live TOKYOをはじめコンサートやツアーに参加。相撲と着物とジャズをこよなく愛す和洋折衷シンガー。
現在、インターネットラジオ・ステーションJJazz.Netの番組ナビゲーターをつとめる。

オフィシャルブログ

拡張し、混在するジャズのイメージをとらえるライブシリーズ「Jazz Today」。
今回はエレクトロ・ジャズユニット"東京ザヴィヌルバッハ"を主宰する鍵盤奏者、
坪口昌恭が2018年春に結成した新バンド、"Ortance（オルタンス）"のLIVEをご紹介しています。

【JazzToday - Ortance（坪口昌恭/ 西田修大/大井一彌）LIVE】
放送期間：2018年9月12日(17:00)-2018年10月10日(17:00)
https://www.jjazz.net/programs/toshiba-jazztoday/

フィールドの異なる2人の気鋭ミュージシャン、ギタリスト、西田修大（中村佳穂Band/石若駿SongBookバンド）とドラマー、大井一彌（yahyel /DATS）を迎え、この春始動したOrtance。

まだ作品のリリースはないものの、非常に興味深いこのバンドについて、坪口昌恭さんにメールインタビューしました。


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【坪口昌恭（Ortance） メールインタビュー】


■バンド名"Ortance（オルタンス）"とは？

[坪口昌恭]
画家ポール・セザンヌが大好きで、その奥さんの名前でもあります。フランス語の表記は本来「Hortense」なのですが、発音しやすい造語にしました。もちろんアジサイのことでもあり、花びらかと思いきやガク（萼）であるという特異性を含んだ、女性的で華のあるネーミングにしたかったのです。


■この3人が出会ったきっかけ？バンドを組むことになったいきさつについて教えてください。

[坪口昌恭]
私が全面的に参加してきたRM jazz legacyのリーダー、ベーシスト／プロデューサー守家巧の別セッションで、西田修大、大井一彌と同時に出逢いました。その後大井とは守家巧ソロのレコーディングでも共演。
私をはじめ、西田と大井もそれ以外での共演歴はなく、つまり三人とも微妙に異なるフィールドで活動してきたことが、むしろチャンスだと思いました。異なるルーツを持ちながらも音楽や表現に対するストイックな共通の美意識を確信できたため、結成に至りました。


■（今回番組でお送りしているライブでは）John Coltraneを叔父に持ち、ポストJ Dillaと言わしめるビートセンスを持つLAのミュージシャン、Flying Lotusの名盤『Los Angels』を曲順通りに全曲演奏されています。Flying Lotusの魅力、またカバーされた理由を教えてください。

[坪口昌恭]
Flying Lotusの魅力をいくつか挙げるなら、

・一曲が短く曲間がない。アルバム一枚で一大音絵巻のようになっている。
・様々な音素材（サンプル）が使われており、常にノイズ（サイケ）感がありざらついている。
・ドラムのビートがよれたままGrooveを構築しており、整合性の希薄なポリリズムもある。

そして、カバーする動機としては、エレクトロニカな作風でありながら楽音としてのコード感、メロディにも魅力があること。特に『LA』では驚いたことに12音全てのトーナルが登場し、それも曲が変わる時にはほとんど別のキーに入れ替わるということが起こっていました。
しかも聞き慣れたジャズやポップスのコードではなく、音を間引いたりズラしてあえて調性感をはっきりさせないような工夫が随所にされている。つまりジャズのノウハウでは演奏できそうにないところにこそ可能性を感じたのです。
そして、このカヴァーを経たセンスでオリジナルを作ることによって、今までの自分の作曲癖や習慣にとらわれない新しい作風を生み出すことができると確信したのです。


■今回番組「Jazz Today」でお送りしているライブの聴きどころ、こだわった点などあれば教えてください。

[坪口昌恭]
まずはアルバム『LA』をくそまじめに曲順通り全曲演奏していること。スタジオワーク作品をライブ再現するということで、全く同じ質感にはならないけれど、その分、シンセベースと上物を坪口一人で演奏することのシンクロ性と有機的なディレクション、西田のロックフィールに基づいた楽音とノイズの中間的アプローチ、大井の抜き差しセンス抜群でゴーストノートを廃したストイックなドラミングが、この三人以外では起こりえないであろうサウンドスケープを描くことに成功していると思います。

いわゆるジャズ的な醍醐味とは異なるかもしれませんが、訪れたことのない景色や抽象画を見る、もしくは自ら自由に思い描くような感覚でお楽しみ頂ければ幸いです。


ありがとうございました。


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【Ortance ▶︎ Black Morpho (comp. Masayasu Tzboguchi)】



【Ortance Live 情報】

【イベントタイトル】
『Harvest Parade〜初日』 ULTIMATE MUZIK?!~for instance×Ortance

【日時】
2018年10月1日(月)
OPEN19:00 /START19:30

【場所】
三軒茶屋GRAPEFRUIT MOON
http://grapefruit-moon.com/

【出演】
for instance
＜Gt.白井良明/Dr.オータコージ/Dr.柏倉隆史/Ba.雲丹亀卓人/Key.コイチ＞　
・Ortance
＜坪口昌恭(Syn / P) 西田修大(G) 大井一彌(Ds)＞
DJ 生活と欲望(KAMINARI WORKS)

【MUSIC CHARGE】
前売3,500 当日4,000 (共にDRINK別)

予約（三軒茶屋GRAPEFRUIT MOON）

▶"Ortance" Profile
多彩なキーボードプレイを持ち味としオルタネイティブな現代ジャズを実践してきた坪口、ギターのかっこよさとハイセンスなロックフィールをアピールする西田、ダブ・ステップ以降の音色にこだわったハイパーなドラミングでクラブを沸かせる大井という、フィールドの異なる3人が共通の美意識の元にタッグを組み、テクノをあえて人の手を介しミクスチャーミュージックとして表現することにこだわったユニット「Ortance」、2018年春始動。

Flying Lotusの「LA」全曲カバー以外は全て坪口の作曲であり、シンセサイザーに彩られたアンサンブルの中に、コアな要素としてアコースティック・ピアノのクラシカルな音構造が息づいている。

坪口が自ら担当するシンセベース、楽音だけでなくノイズエフェクトの要素が色濃い西田のギター、マシーナリーだからこその色気を醸し出す大井のドラムなど聴き所満載だが、何より、これまで坪口を印象づけていたジャズ・アブストラクト、ポリリズムといったトリッキーな要素は影を潜め、リスナーが思い思いの映像やストーリーを心に描けるような、深層心理に迫るサウンドスケープを持ち味としている。


▶「Ortance」Member
坪口昌恭（Masayasu Tzboguchi）：Synthsizer, Synth.Bass, Piano
http://tzboguchi.com/

西田修大（Shuta Nishida）：Guitar, Effect（from 中村佳穂Band, 石若駿SongBook）
https://shuta-nishida.tumblr.com/

大井一彌（Kazuya Oi）：Drums with Trigger System（from Yahyel, DATS）
https://twitter.com/oioiiioiooi/

現在ベルリンを拠点に活動する日本人ドラマー、Akira Nakamura。
バークリー音楽大学を2001年に卒業後、フリーランスのドラマーとしてアメリカで活動をスタート。上原ひろみ、Big Yuki、ハナレグミ、Monday満ちる、Marterとの共演、そして自身のバンドでは独自の世界観で表現する異色のドラマーです。

そんな彼が率いる"東京"をテーマにしたバンドTrickstwart Bandのリリース記念ライブが6月に決定。

今後、ますます注目されるであろうAkira Nakamuraとはどういう人物なのか？
来日を前にメールインタビューでお答えいただきました。


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【Akira Nakamura メールインタビュー】


■いわゆるジャズのメインストリームというよりは独自の活動をされている印象があります。ご自身が目指している音楽スタイルを教えてください。

[Akira Nakamura]
サウンド面のスタイルは、僕は自分の楽曲を演奏するバンドを３つ持ってるのですが、バンド別ではっきり分けています。Trickstewartでは、ロック、ファンク、エレクトロ寄りのサウンド。今回のアルバム"櫂"のミックスでは、生音中心かつそれプラスαを目指してたので、お願いする時はリファレンスとしてRadioheadの"the King of Limb"、Me'shell Ndgeochelloの"Comet ,Come to me"、 D'angeloの"Voodoo" などを持って行きました。

作曲のスタイルとしてはthough composed （繰り返しが出てこない）が好きで、そういう曲が多いです。そこに即興の要素も組み込みます。ジャズスタンダード的な方法（ヘッドー即興ーヘッド）の曲も書きますが、感じたことを曲にしようとすると（生活の中から感じたことを曲にすることが多い）繰り返しがない流れになることが多いです。


■NY時代はBig YukiさんやTakさん（田中拓也）とのJP3としても活動。このバンドについて教えてください。またその当時について振り返ってもらえますか？

[Akira Nakamura]
JP3はまだボストンに住んでた時です。YukiもTakくんも仕事、私生活共に仲良くしてて、常に近くにいて"何がかっこいいか"を話しあったり演奏しあったりしてました。なのでバンドやろうぜ！ってよりかはお互いに試したいことを試す仲間だったかなと。オリジナル曲をつくる作業はもちろんの事、フレディー・ハバードのskydiveとかハービー・ハンコックのButterflyなどのスタンダードな曲のアレンジ作業もとても楽しかったですね。誰かが一本線を描いたらそこから繋げていく絵の描きあいというか。当時からエレクトロが好きな３人だったのでJungle, House, 2 step など生演奏で曲に盛り込んでいました。

あと当時デビット・フュージンスキーと演奏してた時期で、彼は新しいビートないか？？とよく聞いてくる探究心旺盛な方で、その影響もあって聞いたことのないビートをつくる、という発想からできた曲もありました。ライブも楽しかったですね、アレンジの時と同じように、絵の描きあいから常にお互いへのサプライズもあって。最近でもYukiと会うと、そのうちまたやろうね、なんて話しています。


■東京をテーマにしたバンドTrickstwart Bandを結成。
このバンドを結成した理由。そして体現している"東京"の音とは？

[Akira Nakamura]
Trickstewart Band は2009年に僕が東京に引っ越してから始めたもので、バンドというより僕個人のプロジェクトです。メンバーは1枚目のアルバムと２枚目ではほぼ違います。Bandとつけているのは、例え短い時間の付き合いだとしても、さも長年一緒にやっているバンド仲間の様に心をオープンに向き合いたいという僕の思いからです。

このプロジェクトをやり始めた理由は大きく２つあります。１つは、単純に東京での経験を元に書いた曲たちをここに暮らしている大好きなミュージシャンと演奏したいという思い。もう１つは、東京で暮らしているミュージシャンたちの音楽との向き合い方を感じたいということ。自分の曲を一緒に演奏してもらうと、言葉のコミュニケーション以上にその人たちを感じられることがありまして。

"東京の音"の体現ですが、あるサウンドを目指すという行動ではなくて、東京に住んでいる人たちで一つの表現をすること自体が体現している状態なのかなと思ってます。生活と音楽はごまかせないくらい直結していると思ってるもので。そういう意味で"東京の音"はメンバー、組み合わせ次第で限りなくあると。ちなみに僕の中では東京のミュージシャンたちに共通する"東京の音"があると感じてます。言葉では説明できないんですけどね。今度それを題材に作曲して音楽で表現してみようかな。


■2018.2月にTrickstwart Bandのセカンドアルバム『櫂』をリリース。
全曲オリジナルの今作のテーマは？象徴的な一曲がありましたら理由も含めて教えてください。

[Akira Nakamura]
テーマは、100%の個性に乗っかる100%の協調性。
今回のアルバムは音楽だけがテーマの矛先になってなくて、アルバムをリリースするという行為全体を一つのプロジェクトとして捉えています。録音時のそれぞれの演奏だけでなくミックスエンジニア、マスタリングエンジニア、アルバムジャケットの画家、ミュージックビデオの監督まで関わる人たちみんなを含めたプロジェクト。

それぞれが１００％自分の表現をしながら他の創造心もしっかり思いやる。今回それをジャンルを超えて試しました。メンバーの演奏、アルバムの音の出来はもちろんのこと、ジャケットの絵（小西博子／画家）、MVの映像（高山耕平／映画監督）まではるかに自分の想像を超えたアンサンブルが生まれたと自負してます。


【AKIRA NAKAMURA Trickstewart Band feat. 高山康平(映画監督)／Kohei Takayama 】



象徴的な１曲はアルバム１曲目の「7/23/08 19:20-7/24/08 Morning」です。高山耕平さんにも、小西博子さんにも、音楽に寄らずに１００％あなたの創造をしてほしいとお願いしました。音楽を聴きながら両方眺めてみてほしいです。また、新たな芸術の楽しみ方に出会うかもしれません。


■現在ベルリンを拠点に活動されていますが、ベルリンをベースにするようになった経緯、
また現地のジャズシーンはどんな感じでしょうか？

[Akira Nakamura]
僕は音楽に携わりながらいろんなところに住む理由の１つに、将来ふるさとの沖縄で音楽学校をはじめるためというのがあります。常々音楽は文化の一部だなと思うことがありまして、西洋の音楽をもっと知りたいならまずはその文化に身を置くことから始めよう、というのがキッカケです。

なぜベルリンかというと、もともとヨーロッパのどこかの国に住む計画は立てていて、2013年に下調べに来たときにこの街のあり方がとても刺激的だったんですね。新しさもあり、古さもあり。その両方が自由に共存しているというか。全く新しい感覚でした。それとその滞在時に見た二つのクラシックのコンサートもここへ住むと決めた大きな理由になっています。サイモンラトル指揮のベルリンフィルとダニエルバレンボイムのピアノのコンサート。その感動を細かく書きたいのですが長くなるので（笑）、とりあえず、自分の経験を完璧に超越した創造、とでも言っておきます。「聞いてる時、幽体離脱した！」とまわりによく話してます。そんな音楽を当たり前のように生活の一部にしてみたいと強く思いました。

ここのジャズシーンですが、びっくりするくらい活気があります。実験的ジャズからスタンダードなものまで。ジャズのジャムセッションも毎日どこかでやっていて、ドアチャージとかないってのもあると思いますが大体どこも満杯です。ジャムセッションによっては楽しそうに踊ってるお客さんも度々みかけます。


■6/12にMotion Blue YOKOHAMAで開催されるリリース記念ライブについて教えてください。どんな内容になりますか？

[Akira Nakamura]
６月１２日の内容はアルバム収録曲全曲と１枚目のアルバムから数曲、そして未収録の曲もやる予定です。録音が１年以上前のことなので、あの時の演奏をおっかけるのではなく、いまの僕らをジャムり合いましょう、とメンバーで話しています。


■最後に今年夏以降の予定について教えてください。

[Akira Nakamura]
Trickstewartの予定はまだ未定ですが、僕個人としては今年の夏から秋にかけてはベルリンローカルの仕事から、ドイツの他の都市、ウクライナやベルギーなどへも演奏に行く予定です。ユーロ圏内だとローカルギグかのようなノリで違う国での仕事がくるのが刺激的です。あと、冬にはぼくのジャズ・アコースティック寄りの楽曲を演奏しているバンド、Element of the Momentのツアーを日本でやりたいなと思ってます。あとは沖縄ではじめる学校のカリキュラム作りも始めていこうと思っています。


【Official Teaser Long- AKIRA NAKAMURA Trickstewart Band 2nd album「櫂(kai)」】



【AKIRA NAKAMURA Trickstewart Band『Kai』 Release Live】


【DATE & SHOWTIME】
2018.6.12.tue.
open_6:00pm / showtime_7:30pm
※ステージの長さは約100分を予定しております。
※ステージの間に30分程度の休憩を挟みます。


【PLACE】
MOTION BLUE YOKOHAMA
〒231-0001
横浜市中区新港一丁目1番2号 横浜赤レンガ倉庫2号館3F
045-226-1919 (11:00am~9:00pm)
http://www.motionblue.co.jp/about/access/


【MEMBER】
中村 亮(ds)、Fasun(vo,g)、柴山哲郎(g)、浦 宏徳(as)、元晴(ss,ts)、高橋佳輝(b)


【MUSIC CHARGE】
自由席 ¥4,000（税込）
BOX席 ￥16,000＋シート・チャージ ￥4,000 (4名様までご利用可能)
※BOX席はインターネットからのみご予約いただけます


公演詳細（Motion Blue YOKOHAMA）

アルバム情報

Title : 『櫂 (kai)』 Artist : Akira Nakamura Trickstwart Band LABEL : Bagus Records NO : DQC1598 RELEASE : 2018.2.7 【SONG LIST】 01. 7/23/08 19:20-7/24/08 Morning 02. From Dusk till Dawn 03. Home to You 04. Rise 05. From the Red Point 06. Be Here 07. 75 Burger 08. A Guy in Grey

バークリー音楽大学を2001年に卒業後、フリーランスのドラマーとしてアメリカで活動をスタート。古典ブルースから、変拍子やドラムン・ベースまで柔軟な音楽性と様々なリズムアプローチを武器にジャズ、ロック、ポップスからワールドミュージックまで様々なミュージシャンのドラマーとして活躍中。

在米時はデビッド・フュージンスキーのトリオやスクリーミングヘッドレストーソス、サム キニンジャー (ソウライブ、レタス)、上原ひろみのトリオやKokolo afrobeat orchestraなどにメンバーとして参加。またBigyuki、田中拓也とのトリオでjp3を結成し日本でのツアーも行なった。その後、沖縄、中国などでも演奏家として活動。
​
2009年に東京に拠点を移してからはドラムのみならず作編曲なども手がけ、自身のバンドでの活動も開始。メンバーとして参加した沖縄とジャズを融合したElement of the Momentや、自らがリーダーを務めるTrickstewart Bandなどではドラムに限らず視野の広いコンポーザーとしての側面を見せる。またハナレグミ、Monday満ちる、Marterなど、多方面に渡るアーティストのライヴでサポートドラマーとして活躍。他にもフィッシュボーンのアンジェロ・ムーアの来日公演時にサポートドラマーとしてステージを共にし、現在も様々なアーティストから信頼されるドラマー。並行して幅広い年齢層に向けてリズムやアンサンブルワークショップを行なうなど音楽の普及にも携わっている。
​
現在はベルリン在住。

●Akira Nakamura オフィシャルサイト

ピエール・バルーが設立した音楽レーベル、SARAVAH。
今年はレーベル設立50周年ということで今改めて注目を集めています。

6月22日には、サラヴァの膨大なカタログの中からジャズ的感性溢れるスピリットや
エキスが感じられる音源をDJの大塚広子がコンパイル。

そこでJJazz.Netでは"SARAVAHレーベル50周年特別企画"として、
DJ大塚広子さんと日本でのサラヴァ音源の発売元であるCOREPORTレーベル代表、
高木洋司さんとの対談を行いました。

サラヴァの魅力やサラヴァから感じるジャズのエッセンスなど、非常に興味深い内容です。

7月のJJazz.Net「PICK UP」ではこの模様を少しご紹介。
そちらも是非お聴き下さい。

JJazz.Net「PICK UP」 (配信期間：2016年7月6日～2016年8月3日)
//www.jjazz.net/programs/pick-up/

【大塚広子（DJ）×高木洋司（COREPORT）対談】





高木：大塚さん、まずは『JAZZ EXTRACT OF SARAVAH』の選曲、ありがとうございました。これ、すごく良いですよね。


大塚：ありがとうございます。よかったです。


高木：僕も今まで色々な方にサラヴァ音源をコンピ編集していただいて、それぞれが魅力あるものでしたが、今回独特なオリジナリティのあるカラーというものを感じることが出来ました。今年3月にサラヴァの1972年作『ミシェル・ロック／コーラス』をコアポートで世界初CD化する際、大塚さんにライナーを書いていただいたのがサラヴァに関する最初の接点でしたが、そもそも大塚さんご自身、このサラヴァというレーベルとはどういった出会いだったのでしょうか。


大塚：最初の出会いは、「サラヴァ・レーベル」というものを意識して"レーベル買い"をしていたというよりは、ひとつひとつ気になる個々のアルバムとの出会いが繋がってきたという感じです。例えばトリオ・カマラとか、バルネ・ウィランの『MOSHI』とかそのあたりのアルバムとの出会いが強烈でした。印象としてはちょっと妖しげな感じというか。それからどんどんコレクションが増えていく中で、やっぱりサラヴァって変なレーベルだな(笑)と。それを魅力に感じてしまったんですね。


高木：トリオ・カマラやバルネ・ウィランはどうやって知ったんですか。


大塚：トリオ・カマラは大学生ぐらいの時だったかな? いろいろなジャンルを聴いていた時期でしたが、実はジャズを買うというハードルは当時の私にとって高かったんです。だから"いわゆるジャズ"じゃないけど"少しジャズっぽい"ところが聴きやすかったんです。また、ブラジル音楽の要素もあるアルバムなので、異なるジャンルの端と端が繋がっているようなところが出会いやすかったんでしょうね。


高木：それはわりとサラヴァ・レーベルの本質のひとつかもしれませんね。


大塚：そうですね。私もどっぷりという程ジャズを聴いていた時期ではなかったので、こういった作品との出会いは貴重でした。


高木：今やどっぷりどころではないですからね(笑)


大塚：いえいえ、予期せぬ方向にという感じです(笑)


高木：『ミシェル・ロック／コーラス』で書いていただいたライナー原稿内容もそうでしたが、大塚さんのDJ活動やご自身が手掛けているレーベルのプロデュース活動とかから、非常に全方位的な動きを感じていました。全方位と言いつつそれは脈絡がしっかりあって、何かあるひとつのことにフォーカスしているような印象でした。そんな大塚さんがどういったサラヴァ観、ひいてはジャズ観があるのかにとても興味があったんですよ。このコンピはそれが出ていると思います。もともと大塚さんへの選曲オーダーはサラヴァ音源から感じるジャズのエキスのようなものをセレクトして下さい、というものでしたが選曲過程でレーベルの印象は変わってきましたか?


大塚：そうですね。個人的なコレクションですと好きなアーティストなどのピンポイントの聴き方メインでしたね。アート・アンサンブル・オブ・シカゴがプリジット・フォンテーヌとアルバムを作った頃の年代や、『ミシェル・ロック／コーラス』が作られた頃、そのあたりの1971年前後の前衛的な作品が続出していた時代の音が好みだったんです。それ以降、ちょうどLPからCDへ変わっていった頃の作品はなかなか耳にすることが無かったんです。ただ今回聴いてみると幅広いサウンドがあるのはもちろんですが、その中から人間的な部分というものを非常に強く感じました。喜怒哀楽を感じる音楽がたくさんあるなと。最初にもちろん「JAZZ」というコンセプトで選曲するつもりが、もっと人間味のあるテイストに魅かれてきたんです。「JAZZ」というキーワードはありつつ、それを演奏している人間が見えてくるような。そういったところを表現できれば良いなとシフトしていきました。


高木：なるほど。僕もフォーマットや演奏スタイルとしてのJAZZをセレクトしてほしいというよりも、大塚さんがどういったところにJAZZを感じるのかに興味があったので、そこはすごく出ていますよね。実際にDJでかける曲もあるんですか?


大塚：いえ、正直に言うとこの中では1曲ぐらいですね(笑)。今回収録曲以外で他にはナナ・ヴァスコンセロスの『ナナ=ネルソン・アンジェロ=ノヴェリ』とか、バルネ・ウィランとか自分でこのコンピからかけたい曲もありましたが、あえて外しました。今回初めて知った曲、私自身にとっても新たな発見、そんな曲を多く収録しました。


高木：そうだったんですか。それでは選曲スタートの際、ご自身の中でメインとなる曲は何でしたか? 選曲をお願いした当初は何か浮かびましたか?


大塚：いえ、初めはなかったです。自分の持っているサラヴァ・レーベルの好きな作品はありますが、一回まっさらにして、隅から隅まで聴いた上で取り掛かろうと思いました。


高木：ということは、選んでいくなかで、いくつかの方向が出たと思います。まずこれはJAZZだな、というものから、通常捉えられているJAZZではないもの、大枠この二つだと思いますが、選曲を終えてそれぞれを象徴する曲はどれでしょうか。


大塚：前者ではジョルジュ・アルバニタ、ミシェル・グレイエ、ルネ・ユルトルジェ、モーリス・ヴァンデによるアルバム『ピアノ・パズル』からの「Philly」です。後者だと今回たくさんあって選ぶのは難しいですが(笑)、フィリップ・マテ&ダニエル・ヴァランシアンの「Sanza sallée」ですかね。


高木：出た(笑)。非常に象徴的ですね。
このアルバム『ピアノ・パズル』、当時から有名なピアニスト4人が共演した内容です。オリジナルLPは4人の共演盤1枚と、それぞれの演奏盤が4枚からなる5枚組で変形ジャケというブツですが、大塚さんが選んだ「Philly」は4人の共演盤からで、なかなか凄いところを選びますね。


大塚：そうですか(笑)。このアルバムからは他にも入れたい曲があって迷いました。


高木：もう1曲のフィリップ・マテ&ダニエル・ヴァランシアン、これはよく入れましたね(笑)。サラヴァのコンピでこれを入れた方は初めてです。でも今聴くと「この曲やばいぞ」というほうがフィットしますし、そのあたりの選曲眼はさすがですね。


大塚：いえいえ、でもこれは凄いですよ！是非聴いていただきたいです。初CD化を願ってます！


高木：どうしよう(笑)。ちなみにこのコンピは全21曲ですが、これは3曲目に入っていますね。まず冒頭1曲目は典型的なJAZZですが、2曲目からはかなり様々なタイプのサウンド、これもJAZZ ?というナンバーが色々な方向から迫ってきます。それがいつの間にか中盤からこの12曲目「Philly」のようなサウンドに収斂していく。このあたりは凄いです。僕は個人的に前半部がかなり好きなんです。このストレンジな感じの3曲目からジャック・イジュランに続くという、これは一体どういう頭の構造なんだろうと(笑)。これはわりとスッと決まったんですか?


大塚：いえ、前半の作り方は最後まで迷ったんです。どんどん代案がでてきて、そこから絞る作業が大変でした。特に前半の多彩なヴァリエーションをどこまでまとめていくかを迷いました。ここの3曲目マテ&ヴァランシアンからの繋ぎは特に迷ったんです。


高木：ということは当初から、前半部のほうをいかにもJAZZ的にするという構想はなかったんですね。


大塚：いや......あったかな(笑)。まあ後半部のほうは、自分がいつもDJする時もそうですが、後半のほうの流れというものを最初に思いつくんです。その上で最初どこまでかき乱すかということは自分の選曲の中でのやりがいでもありますし(笑)。もちろんやり過ぎるのも注意しながらですが。そのあたりが今回は迷ったところですね。


高木：ここからさらに5曲目のマジュン。これはフレンチ・プログレ・バンドですが、そのバンドが昔からある「Le dénicheur」というミュゼットをやってます。そこからフラメンコに繋がったり、いろいろと展開しますが(笑)、逆にクッキリひとつのものが見えてくる感じが不思議とありますね。


大塚：私もこの前半部が、見知らぬ土地の場所で誰かわからないミュージシャンたちが、いろいろと演奏しているという想定で選びました。その選曲作業が結構楽しかったんですね。


高木：なんだか夏フェスみたいですね(笑)。色々なステージで色々なタイプの音楽があるという。


大塚：あー、そうかもしれません(笑)。


高木：後付けかもしれませんが、そういった「在り方」に大塚さんはJAZZを感じるんですかね。


大塚：そう言われてみると、そうかもしれないです。





高木：あとは曲つなぎのテクニックもあるかもしれませんが、そういった夏フェス的な感じが混然一体となってだんだんとコンピが進んでいく。そうした中で「これを入れたのか！」と思ったのが9曲目のモーリス・ルメートルとアレスキのトラック、そしてこれがミシェル・ロックに繋がるというこのあたりは最高ですね。ルメートルはレトリスム運動を象徴する人で、まあ今聴くと歌い方はラップのようですが、これも日本初というか世界初CD化曲です。でも普通入れないですけど(笑)、すごくかっこいいですよね。


大塚：いや(笑)、これはもう絶対「何これ！」と聞かれることは間違いないですね。


高木：ブリジット・フォンテーヌのパートナーであるアレスキが、パーカッションを叩いていて、これがまた良いですよね。


大塚：邦題が「ダンスのためのレトリスト即興」ですが、まさに象徴していると思います。


高木：これなんかMIXしたくないですか？


大塚：したいです！これはJAZZファン以外の方や、コレクターやDJの方にもヒットする曲だと思いますよ。


高木：そのあとに10曲目でミシェル・ロックが続いて、このあたり大塚さんが腕まくりしている絵が浮かびます(笑)。ここまでの様々なタイプの曲を全て引き連れて、ミシェル・ロックが突き進むような。


大塚：はい、ここはかなり自分でもテンション高い感じで(笑)。


高木：ここから高カロリーが続きますね(笑)。でもさすが女性で高カロリーのままでは終わらせず(笑)、そこからの転換がまたいいですね。巧いですよ本当に。特にピエール・バルーの15曲目前後とか。このあたりは狙った感じですか?


大塚：はい、このあたり雰囲気作りというところでは狙いましたね。すごく気持ちが穏やかになるというか、解放されるような空気感があるトラックで、素晴らしいと思います。


高木：最後のほうはだんだんとフランス度が高まっていくように感じました。ピエール・バルーによるコラージュともいえる15曲目。そこからピエールとダニエル・ミルのデュオ。これはバッハの曲にピエールがフランス語歌詞をアダプトしているんですが、ここはたまらないです。さっきまでものすごく盛り上がっていたのが、気が付くと落ち着いた流れになっています。


大塚：私もこのあたりで何度か目頭が熱くなりましたよ(笑)。入りすぎちゃって。ダニエル・ミルは他にもいろいろ良い曲があってかなり迷いました。


高木：このコンピを発売する2ケ月前ですが、Bar Musicの中村智昭さんにもサラヴァの音源をまとめていただいたんですが(『Bar Music×SARAVAH -Precious Time for 22:00 Later 』)、確か中村さんもダニエル・ミルは好きだと言ってました。DJの方に何か共通するものがあるのかな? その中村さんも選んでいた次のル・コック、さらにポエトリー・リーディングのジェラール・アンサロニへ。ピエールとダニエル・ミルのデュオが静謐な感じなので、ここで終わりそうなところから行き着いた展開ですが、ここは流れですか?


大塚：そうです。最後の方をどう終わらせるか。これは出来るだけハッピーに終わらせるというか、しんみりと終わらせないというのが私のタイプなんです。一回落ち着くけど、でも最後は「次につなげていきたい」というような雰囲気を持った曲を選んでいます。


高木：主だった曲について話し合ってきましたが、この全21曲全体については、やはり当初から決めていたというよりも、むしろLIVEのような感じで決まっていったようですね。


大塚：はい、やはり先ほど話しましたが「人間性」というところをうまく浮き彫りにしたいと。色々なタイプの人間がいて、それぞれの人間が出す音楽、それぞれが考えるJAZZのような、そんな選曲になりましたね。あとはそれをどのような物語にしていくかというところで決まっていきました。


高木：確かにどこか温かみのある1枚ですね。そこには大塚さんのパーソナリティーも出ていると思いますが、確かに音の背後から何か伝わってくるようで、サラヴァのレーベル・カラーとも見事に一致していると思います。


高木：そのサラヴァですが、今年はレーベル設立50周年で、予定も盛りだくさんなんです。9月には現地フランスの新録コンピが出ます。これはサラヴァの代表曲を1曲ずつ、複数のアーティストがカヴァーしていく企画です。10月には渋谷O-Eastでレーベル設立50周年コンサートが行われます。ピエール・バルーはもちろん来ますし、その他日本人アーティストも多数参加予定です。そんな長い歴史を持つレーベルの概略を、あるひとつの方向からしっかりと提示していただいて感謝です。僕も新たにこのレーベルの魅力が発見できました。そして大塚さんの個性というものもです。この二つを同時に聴ける楽しさがあると思います。ありがとうございました。最後にこのコンピCD、選曲を終えてどのような感想を持たれましたか?


大塚：サラヴァ・レーベルは、いろいろなジャンルの要素が発見できる素晴らしいレーベルでした。ぜひこのコンピレーションCDを聴きながら、好みの音を発見していただける機会になれば良いなと思っています。

『JAZZ EXTRACT of SARAVAH SELECTED BY HIROKO OTSUKA』

Title : 『JAZZ EXTRACT of SARAVAH SELECTED BY HIROKO OTSUKA』 Artist : V.A. LABEL : コアポート NO : RPOZ10024 RELEASE : 2016.6.22 【SONG LIST】 01. ラ・パルク／トリオ・ミシェル・ロック 02. むこう岸／ピエール・バルー 03. サンザ・サレ／フィリップ・マテ&ダニエル・ヴァランシアン 04. ほらって言ったよね、ほら／ジャック・イジュラン 05. ル・デニシュール／マジュン 06. ブレリアス・エルマノス／アルマディージョ 07. お前の船は出ていった／ミシェル・ビュラー 08. 俺の勝手だろ／チック・ストリートマン 09. ダンスのためのレトリスト即興／モーリス・ルメートル&アレスキ 10. ムッシュー・チンパンジー／ミシェル・ロック 11. レ・ロジュ・デュ・T.P.F.／トリオ・ミシェル・ロック 12. フィリー／ジョルジュ・アルバニタ、ミシェル・グレイエ、ルネ・ユルトルジェ、モーリス・ヴァンデ 13. バイ・バイ・ベルヴィル／カルテット・エラン 14. グアンタナメラ／レオ・ブローウェル 15. 宴の終わり／ピエール・バルー 16. アコーディオン／ダニエル・ミル & ピエール・バルー 17. バッサンの馬鹿ども／ダニエル・ミル 18. マリア・カンディダ／マス・トリオ 19. 自分でイライラしている／ル・コック 20. 精神的な面接／ジェラール・アンサロニ 21. ビフ／アレスキ 世界初CD化 M-3, 7, 9 日本初CD化 M-1, 5, 13, 19, 20 サラヴァの膨大なカタログの中から、ジャズ的感性溢れるスピリットやエキス(JAZZ EXTRACT)が感じられる音源をDJ大塚広子がセレクト。サラヴァ特有のディープネスとモダンな感覚を手作りコラージュのようにシャッフルし、新しいサラヴァ・ジャズ観を提示した必聴コンピ。世界初CD化3曲、日本初CD化5曲収録。

NOW ON SALE
『ピエール・バルー&フランシス・レイ／VIVRE』 RPOP-10017
『ピエール・バルー&／サ・ヴァ、サ・ヴィアン』 RPOP-10018
『ブリジット・フォンテーヌ／ラジオのように』 RPOP-10013
『ナナ・ヴァスコンセロス／ナナ=ネルソン・アンジェロ=ノヴェリ / アフリカデウス』 RPOP-10014
『ミシェル・ロック／コーラス』 RPOZ-10022

COMPILATION CD
『サラヴァ・ジャズ』 RPOZ-10019/20
『パリ18区、サラヴァの女たち』 RPOP-10012
『Bar Music×SARAVAH -Precious Time for 22:00 Later 』 RPOP-10015
『JAZZ EXTRACT OF SARAVAH SELECTED BY HIROKO OTSUKA 』 RPOZ-10024

COMING SOON
『ピエール・バルーwith清水靖晃&ムーンライダーズ／カルダン劇場ライヴ1983』 RPOP-10019 (2016.7.27 ON SALE)
※ピエール・バルーが名作『ル・ポレン』でコラボレイトした清水靖晃、ムーンライダーズをパリのカルダン劇場に迎えて行われた貴重なライヴ・アルバム。

『サラヴァの50年』 RPOP-10020 (2016.9.28 ON SALE)
※サラヴァ・レーベル50周年記念作は、サラヴァの名曲を現代のフランス&日本人アーティストたちが新録カヴァーした超話題作。




■映画「男と女」製作50周年記念デジタル・リマスター版

10月YEBISU GARDEN CINEMA他全国で順次公開(配給：ドマ、ハピネット)
(同時「ランデブー」デジタル・リマスター版)
otokotoonna2016.com

大塚広子 (DJ/音楽ライター/プロデューサー)

2004年以降、ワン&オンリーな"JAZZのグルーヴ"を起こすDJとして年間160回以上のDJ経験を積んできた。徹底したアナログ・レコードの音源追求から生まれる説得力、繊細かつ大胆なプレイで多くの音楽好きを唸らせている。渋谷の老舗クラブTheRoomにて14年目に突入した人気イベント「CHAMP」など日本中のパーティーに出演。また老舗ライヴハウス新宿PIT INNのDJ導入を提案するなど、音楽評論家やミュージシャンを巻き込んだライブハウスやジャズ喫茶でのイベント・プロデュースを手がける。ジャズ・レーベルのオフィシャルMIX CD/コンパイル(「TRIO」（ART UNION）、「somethin'else」（EMI MusicJapan)、「DIW」（DISK UNION)、「VENUS」（Venus Record）、american clave (East Works Entertainment inc))を手がけ、2014年より、新世代ミュージシャンを取り上げる自身のレーベル、Key of Life+を主催、プロデューサーとしても活動。スペイン、ニューヨークでのDJ招聘、「FUJI ROCK FESTIVAL」2度の出場、菊地成孔との共演及びTBSラジオ出演、BLUE NOTE TOKYOにて日野皓正らとの共演。総動員数3万人に及ぶアジア最大級のジャズ・フェスティバル「東京ジャズ2012」にDJとして初の出演。メディアでのレビュー執筆の他、オーディオ評論、ディスク・ガイドブックやCDライナー執筆など音楽ライターしても活躍中。

大塚広子 Official Site

[角田]
「僕は高校の時にバンドをやりはじめて、渋谷界隈でライブをやっていたんです。その後に明治大学でビッグバンドをやりはじめてそこからジャズに入っていきました。ジャズと今までやっていた音楽とのハイブリッドなものをやりたいな、と思って ものんくる をやり始めたのが大学を卒業してから。で、そこから5年間ぐらいやって、今はこのバンドもやっています。」


――最初は普通にロックバンドをやっていたんですか？

[角田]
「ロックバンドでしたね。それもメロコア（メロディック・ハードコア）。もう無くなっちゃったんだけど渋谷のGIG-ANTICっていうメロコア界の新宿ピットインみたいなところでよくやっていました。今はいわゆるジャズはほとんどやっていなくて、サポート的に色んな所で弾いていますね。」


――なるほど。じゃあ、銘くん。

[井上]
「俺は15歳でギターをはじめて、18歳でOMA（鈴木勲）さんのバンドに入って、気付いたらこの世界から出れなくなった、みたいな（笑）それだけ。"That's It!"ですね。」

[小西]
「ジャズ以外でプロになろうとかも思ってたの？」

[井上]
「全然全然。ジャズしかやる気なかった。これって決めたら一個のことしかできないタイプなんですよね。」


――「ジャズだ！」って決めたきっかけは何だったんですか？

[井上]
「最初は単純にギターが好きで。クリームとかジミ・ヘンドリックスとかレッド・ツェッペリンとかが好きだったんだけど、ある時親父にマイク・スターンのライブに連れて行ってもらって。それがロック少年にも響く音楽だったから「これもジャズっていうんだ」ってなったのがきっかけだね。」


――なるほどね。じゃあ石若くん。

[石若]
「僕は小学校4年生の時に札幌のビッグバンドに入って、中学2年までそれをやっていて。高校から東京出てきてようやくジャズのイロハがわかり、、、今に至る（笑）」

[小西]
「札幌に居た時は誰かと共演したりしてたの？」

[石若]
「大体今お世話になってる人たちは札幌で出会ってそれからの付き合いだから。「東京に出たい！」ってなったのもその人達に会ったからなんだよね。」

[一同]
「へぇー！」

[小西]
「札幌ではセッションとかしてたの？」

[石若]
「全くしてない。ジャムセッションとかスタンダードとかそういう概念に出会ったのは東京来てからなんだよね。それまではただのドラム小僧でしたね。」


――じゃあ次はリーダーの小西さん。

[小西]
「小学生からピアノを始めたのが一番最初の音楽との出会いかな。きっかけは小学校の発表会でアコーディオンを譜面と鍵盤見てって頑張ってたら、友達が鍵盤見ないでスラスラ弾いてて「かっこいい！」と思って。でもピアノは3年くらいで先生と喧嘩して辞めた（笑）。クラシックの超厳しい先生で。しっかり練習して暗譜して来ないと怒られた。でもその代わりに3年でショパンをガンガン弾けるようになった。」

[小田]
「それはすごいね！」

[小西]
「それ以来ピアノは人に一切習ってない。サックスを始めたのは小学校の時に体育館に隣のクラスの担当の旦那さん、なんと平原まことさんが演奏会を開いてくれた。それを見て「サックスいいじゃん！」ってなって中学校の吹奏楽部でサックスを始めたんだ。親父からはずっと「コルトレーン聴け」とか「キャノンボール聴け」とか言われてたんだけど天邪鬼だったからジャズを毛嫌いしてた。でもルパン三世の吹奏楽バージョンみたいなのを吹奏楽部でやって「カッコいい！」ってなって。で、アニメオタクだったから『カウボーイ・ビバップ』とかからジャズに興味を持っていきました。」


――菅野よう子だ。

[小西]
「そう。菅野よう子ぐらいから入っていって、中3の時にはコルトレーンとか聴き始めてたかな。で、高校入ってからは池袋のマイルス・カフェ（現：SOMETHIN' JAZZ）のセッションに行き始めて、それからは都内でジャムセッションをしたりレストランの仕事とかをぼちぼちやり始めたんだよね。で、洗足学園音楽大学に行って、バークリーに行った。大学の時に藤原清登さんにお世話になった。バンドに入ってアルバムにも参加させて頂いて（『JUMP MONK』）。大学三年の時に明治大学のビッグバンドに一緒にいて、そこで角田と一緒だったんだよね。その前にセッションで出会ってたんだけど。」

[角田]
「高田馬場のコットンクラブね。あの日しか行ったこと無いけど（笑）その日は当時習ってた安ヵ川大樹さんがホストだったからね。」

[井上]
「え、そうなの？」

[小西]
「その繋がりも明治大学のビッグバンドだよね。その後は初期のものんくるに参加してからバークリーに行って、、、その前後でテンテンカルテットってバンドでサッポロ・シティ・ジャズのコンテストの第一回で優勝したり色々してた。 それは柵木雄斗（ds）、吹谷禎一郎（b）に白井アキト（p）って今はもうフュージョンの人になった人で組んでて。」

[石若]
「えーテンテンカルテットだったんだ！俺、あの時会場で見てたよ。応援してました（笑）優勝したならカナダも行ったんでしょ？」

[小西]
「行った行った。トロント・ジャズ・フェスティバル出た。それが大学一年だから18とか19歳の時。で、バークリーでラージアンサンブルを始めて。作曲とか編曲が好きになったのもビッグバンドに居たからだと思うな。銘とはバークリーで一緒だったから当時から知っていたし、角田はメンバーだったし、今回プロデューサーをやってくれた阿部さんもよくラージアンサンブルを見に来てくれていて、そこに朋美も来てくれてって感じで全員飲み友達になったって感じです。」


――じゃあ今やってるのはこのバンドとラージアンサンブル？

[小西]
「そうですね。あと6月に挟間美帆と一緒にユニットを組んでライブをします。第一回はビッグバンドで。挟間さんも結局飲み仲間なんだよね。ニューヨークに居た時に仲良くなって。」


――なるほどね。じゃあ最後に小田さん。

[小田]
「私は母親がピアノの先生だったので小さい頃からピアノをやっていました。母親はクラシックの先生なんだけど、すごくジャズが好きで。母親は割りと厳しい先生だったんだけど、私は練習が嫌いで。勝手に譜面と違うことを弾いたりしてよく怒られてましたね。それで「だったら自分で曲を書いた方がいいな」と思って小さい時から作曲をしていました。歌うのが好きだったんだけど小さい頃は本当に音痴で（笑）」

[井上]
「えー？！」

[小田]
「歌に向いてると思えなかったから、作曲を勉強しようと思って高校から国立音大の附属に行って。あ、その作曲科の同級生には挟間美帆がいたんですよ。」


――へぇー。

[小田]
「で、大学も作曲に行ったんですけど、大学の作曲科の人たちって楽譜が大好きなんですよね。でも、私はそんなに楽譜だけに入れ込めないなと思って。楽譜に託せるものと託せないものがあって、楽譜に託せないものの方に興味があるし、何よりやっぱり歌いたいなと思ったので大学にいる時にライブハウスとかで歌うようになって。その時に阿部さんが聴きに来てくれて。」


――うわぁ、暗躍してますね（笑）

[阿部]
「暗躍してるよ（笑）これは本当に無名の頃で、知り合いに「小田朋美って子がいて可愛いし才能があるし最高なんだよ！」って話を聴いてね。調べたらライブをやってたから観に行って。」

[小西]
「それすごい（笑）」

[阿部]
「それでライブが凄かったから「アルバム出そうよ！」って声かけて一年くらい企画を通すべくいろいろ動いてやっと『シャーマン狩り』が出来てね。」

[小田]
「自分ではアコースティックな編成でライブをやっていて、作曲するときも弦楽器とかを好んでつかっていたんだけど、所謂バンドとかは全然やったことがなくて。今回も阿部さんがきっかけを作ってくれて、ずっと憧れていた「バンド」が出来てすごく嬉しいです。」


――バンド結成の話を教えてください。

[小西]
「それが本当に無いんですよ。飲んでて決まった、っていうだけ（笑）」

[阿部]
「まあそうですね。去年の6月にあって菊地成孔さんのイベントに向けてバンドをブッキングしていた時に、ちょうど小西と小田と飲むなと思って。小西くんが帰国してラージアンサンブルのライブが終わって落ち着いたタイミングだったんだよね。小田と小西が決まって、まず角田くんにファーストコールしたんだよね。で、小西が銘くんに連絡して、俺が駿に連絡してって。」


――じゃあ結成しようってなって、とりあえずスタジオに入って、みたいな？

[小田]
「結成っていうかイベントに向けたリハーサルだったね。」

[小西]
「"よし！これで結成！"っていう瞬間は無いんですよ。なんとなくイベントに出ることが決まって、バンド名をつけたってだけであって。ライブをするまでは誰も長続きすると思ってなかった。一回目のライブがすごい良かったから、アルバムを作ろうってなったけど最初はあんまりバンド感は無くて。」

[角田]
「半年ごとにライブするくらいのペースかなって気持ちだったよね。」

[井上]
「だから全然入ったつもり無かったもん（笑）やっと「バンドだな」と思ったのはレコーディングをした1月くらい。あれで一丸となれた気がする。最初は普通のセッションライブ感覚で行っていて、気付いたら小西くんがFacebookで「CRCK/LCKS始動します！」みたいな事を書いてて俺はそこでバンド名知ったからね（笑）」

[一同]
（笑）

[小西]
「すいません（笑）でもそれくらい誰も執着してなかったんだよね。歌ものをやるっていう事はみんなに電話をかけた時点で決まってたけど。ジャズの面子でジャズじゃないものをやるっていうコンセプトは頭の中にずっとあったね。」







一番最初にみんなで音を出して感じたのはブラック・ミュージック的な要素だった


――この5人で集まった時に、音楽的な共通項って何だったんですか？

[小西]
「ポップスを好きっていうのは共通項だったね。」

[石若]
「俺が一番最初にみんなで音を出して感じたのはブラック・ミュージック的な要素だったな。」

[小西]
「俺は駿が入るって決まった時点で一曲ゴリゴリのブラック・ミュージックっぽいのを作ろうと思って。それで作ったのが「いらない」。最初はそっちの雰囲気のほうが強かったよね。」

[石若]
「そうそう。でも段々みんなの好きな感じが分かってきてポップになっていった。」


――今回のアルバムは曲をみんなで持ち寄ったってことなんだけど、スタジオでの曲作りはどういう風にして進んでいったんですか？

[小西]
「今回のアルバムに入っている曲は、基本的にはガッツリ決めてスタジオに持って来てますね。というのも、一番最初のイベントの時点で、リハが2,3回しかなくて70分のステージをやらなきゃいけなかったから「ジャムって曲を作っている時間は無いな」ってみんな分かっていたから。譜面を書いたりデモを送り合ったりして作っていきました。今でもだけど、作曲者がイニシアチブをとって曲を作ってますね。一回ベーシックを作って、その中で音色とかアレンジの話をリハーサルで詰めていくという流れです。今回一番リハーサルで変わったのは俺の曲で「いらない」と「坂道と電線」かな。テンポも全然変わったし。」


――なるほどね。僕は音源を聴いてセッションぽくやってるのかな？って思ったんです。とくにドラムとかベースの、良い意味でラフな感じ。

[石若]
「それは俺のせいかも（笑）」

[一同]
（笑）

[小西]
「細かいところを決めるというよりも、フィールを決めたんだよね。」

[石若]
「そう。テイクによって全然違ったんだよね。」

[角田]
「それで成立するのがすごいんだよ。そこを決めちゃうと、駿じゃなくても良くなるというか。」

[小西]
「ベーシックだけ作曲者がガツッと作ってるけど、そこからジャムが始まるみたいな。」

[石若]
「沢山アイディアが出てきて、ボツになるアイディアも沢山あるしね。フィール一つにしてもパターンが沢山あって、それが個々の楽器であるから。で、ライブの為のアレンジとレコーディングでもまた全然違って。アイディアが出すぎて（笑）」


――レコーディングされたものはソロがコンパクトになったり色々ライブとは変わっていたよね。

[小西]
「それはメンバーみんなの中でアルバムを一つの作品として聴かせたいっていうのを考えていたから。俺達の中でもライブする時にアルバムに囚われたくないっていうのはあるんです。メンバーで「ライブはライブで有機的なものにしたい」って話をしていて。今回のアルバムはミックスに時間を掛けたから、俺とかはレコーディングが終わってすぐのリハでレコーディングをめちゃくちゃ追ってしまっていて「カラオケみたいな雰囲気になってる」って言われたりとか。」


――レコーディングはどれくらい時間かけたんですか？

[小西]
「録音が2日でミックスが3日ですね。」


――6曲で録音2日？！かなり素早くやらないとですね。

[小西]
「今回は結構みんな一緒に録ったよね。あとから鍵盤とかは重ねたりはしたけど、リズムはほぼ一緒。」

[小田]
「私の鍵盤も一緒に録ってたよね。」


――へぇー。

[小西]
「だからそこまでにアレンジとかをキッチリ詰めて。ドラム、ベース、ギター、鍵盤、、、「スカル」はサックスも一緒に録ったね。スタジオの部屋の使い方は角田とか銘が慣れてたから「ここにアンプを置こう」とか部屋割りとか色々考えてくれて。」

[井上]
「いい感じにコンパクトなスタジオだったからね。良い意味で豪華すぎないというか。そういうほうが一発録りはしやすいんですよね。」

[小西]
「「スカル」だけサックスの僕が別のブースでみんなが見えないところで音だけ聴いて演奏するっていう録り方だったけど、それ以外はみんな目が合うところに全員いたから。」

[小田]
「歌もほとんど一緒に入れて。でも結局、後日歌とサックスの録り直しを色々したりして。だから録音が全部で3日。」


――今回はミックスもこだわっていたみたいだけど、ミックスする時にどんな音像を目指してたとかあります？

[小西]
「曲ごとにイメージはあったけど、具体的な音像っていうのは無かったかな。あとは僕の中の流行りかな（笑）」

[角田]
「バンドとしては無かったよね。でも小西がリーダーシップをとってくれて「こういう音像にしよう」ってディレクションしてくれた。」


――「いらない」でパーカッションが重なったりしてるのも....。

[小西]
「あれはかなり偶発的なものだったんです。ASA-CHANGがいきなり焼き芋を持ってスタジオに来て（笑）」

[小田]
「だから当日まではあそこまで重ねる予定は無かったんだよね。」

[小西]
「トライアングルを重ねたいとかは思っていて、みんな小物の打楽器をそれぞれ持って来てたんだけど、やってみたら結構色々なアイディアがその日に出てきて。」


――「クラックラックスのテーマ」では電子レンジまで入ってましたもんね。

[石若]
「最初はタイプライターを入れて、ガシャ、ガシャガシャって始まったらいいな思ったんだけど。」

[小西]
「でも良いサンプルが無くて、レコーディングスタジオにあったレンジがめっちゃ良い音してたからそれを使った（笑）」

[角田]
「あれ良かったよね。」


【CRCK/LCKS 1st EP予告編】



[小西]
「アルバムを作る時に銘が言ってたのは、「ラジオとかで掛ける事も考えたら、頭から始まる曲も作ったほうが良いよ」って話をしたんだよね。それもあって銘の曲（「簡単な気持ち」）はど頭から歌が入っていて。」

[井上]
「俺は割りとバッと始まるのが好きだから。」

[小西]
「それぞれが良いところでアイディアをくれたんだよね。躊躇せずに意見を言ってくれる。特に銘は曲が出来上がるところまで待ってくれて、最後に「ここはこうしよう」みたいなのをいいタイミングで言ってくれる。今回は曲が並んだ時に「曲調が似通ってるのが多いから違うテイストの曲も作ったほうがいい」とか、曲の頭の事もそうだし。一歩引いて客観的に見てくれてる。バンドの雰囲気に良い意味で飲まれないで、「いや、もっと良くなるでしょ」って提案してくれてたね。」

[井上]
「面白いですよね。クラックラックスはアイディアマンが多いんだけど、僕自身はまた違ったタイプの人間だと思っていて。だから多分そうやって違う視点で聴こえたり見えるものが結構あるんだと思う。」

[小西]
「クラックラックスはみんなどこか冷静というか、冷めてる部分があるんだよね。それが上手く作用してる。」


――僕はレコーディング前とレコーディング後両方ライブを観てるんだけど、やっぱり後のほうが面白かったんだよね。

[一同]
「へぇー！」


――え、本人たちはあんまり実感無いですか？（笑）

[井上]
「いや、個人的な感覚では1月と3月の自分の状態は違っていて。一回レコーディングをして、2ヶ月経って。ミックスでめちゃくちゃ聴くから、大体僕は自分の音源を聴かなくなるんですよ（笑）聴かなくなって、ライブがあるぞってなると練習する為に聴くんだけど、そうするとまた違った景色からその曲が聴こえるから。それが一周二周って回って、三周くらいしたところでライブを迎えられると体に入っているパーセンテージが違うというか。」







ソロが長くなってもそれは曲に必要な要素なだけであって、僕達がジャズ・ミュージシャンだからってわけではない。


――クラックラックスとしての「ポップの条件」って何かあります？このバンドは普段ジャズを演奏しているメンバーが所謂バンドのサウンドを作ってるわけじゃないですか。その中で何か意識の違いだとか。

[井上]
「クラックスラックスに関してはジャズとかポップスとか対比するレベルではなく、完全にポップスだと思ってるな。」

[小西]
「そうだね。俺たち的には完全にそういうスタンスでやっている。聞く人によってはジャズテイストってなるかもしれないけど。」

[井上]
「要素としては聞こえるかもしれないけどね。」

[小西]
「作り方としてはジャズの意識はほとんどないね。特に朋美はメンバーの中でもジャズのイディオムを知らない人だから。それも良いバランスというか。ボーカル以外の4人はボーカルに歌ってもらっているというか、歌を支えているっていうスタンスだから。ソロをとりたいとかハプニングする要素を用意したいっていうんじゃない。一番届けたいのは歌だから。歌をメインにして作って、その中で必要だったらソロを入れて。楽器のソロっていうのは所謂ポップスでもよくあるじゃないですか？ギターのソロとかサックスのソロとか。ソロが長くなってもそれは曲に必要な要素なだけであって、僕達がジャズ・ミュージシャンだからってわけではないんです。」

[角田]
「ジャズっぽくないものだから「ポップス」っていう風には言いたくないな。特にジャズの人は、いわゆる「ジャズ」っていうものから離れるほど「ポップスだ」みたいな言い方をしがちだけど。ポップスと一言で言っても広いし、その大きな流れのなかでどういう風に定義するかって事がすごい大事で。ジャズじゃないからポップス、っていう風にはなりたくないと思うし。今はそういう中で個人個人でやっているようなバンドだったりとか企画っていうのがいい感じにまとまってきているような気がしていて。世代的にというか。」

[井上]
「たぶん誰も「ポップスだ」とか「ジャズだ」っていう風に思って演奏してない。曲に対してアプローチしているのが、結果としてどういう風にカテゴライズされるか分からないけれど、みんなが曲に対してそれぞれ自然な形でアプローチしているって感じ。」


――じゃあ意識的にはジャズをやる時と一緒って感じですか？

[石若]
「スタンス的には変わってない気がするね。」

[井上]
「まぁストラト持ったら気分変わるけどね（笑）」

[石若]
「それは俺もバスドラが大きくなったら気分変わる（笑）」

[小西]
「俺は一切変わって無いかな。ジャズの作編曲してる時と、クラクラのスタジオに入った時と。対する意識としてはその時の音楽を良くするってことしか考えてないから。」

[小田]
「私はちょっと変わるかも。バンドの名義になることによってね。音楽よりも歌詞が変わるな。私は自分の名前を出して歌詞を書くっていうことが苦手で。ただ小田朋美っていう名前から逃れてクラックラックスっていう主体が出来た時にそこで書けるものっていうのは意識が違うかもなとは思う。」


――その作詞に関してもうちょっとききたいんだけど、「スカル」だけ園子温さんの詩なんですよね。違う人が書いた詞を持ってくる感じは、僕としてはクラシックっぽい発想だなって思ったんです。違うモチーフを持って来てその上で創作をするっていう。

[角田]
「確かにそうだよね。」

[小田]
「私は詩というものにずっと憧れていて、すごく可能性を感じているんです。だから詩に連れて行って貰いたいという気持ちがどこかにあって。純粋に音楽の為に書かれた歌詞ってだいたい音数や語数が歌いやすい範囲内に収まっているし、形式も一番、二番がだいたい揃っていて、サビも分かりやすくなっているじゃないですか。そういうのは音楽を付けやすいんだけど、読むものとして書かれた詩ってフォーマットがすごく自由なんですよね。そういう自由な詩には音楽を付けにくいし、形式的にも聴きやすい型にはハマらなかったりするんだけど、それがすごく面白いと思っていて。その詩特有の展開や改行の位置、段の分け方など色んな要素がそのまま音楽に変換された時に、音楽からの発想だけでは生まれないフォーマットが生まれると思っていて。だから人の書いた詩に音楽をつけるってことは元々すごく好きですね。」


――ライブではマザーグースの詩（Little Bo Peep）の寺山修司訳に音楽をつけたりもしていましたよね。

[小西]
「それは俺の持って来た曲だね。俺は自分のバンドでも詩をつけるって事はしているし、詩とか読み物は昔から好きなんです。人の詩に曲をつけるって経験としては多くないんだけど、このバンドを組み始めた頃に寺山修司の詩をよく読んでいて、雰囲気がいいなぁと思って。それとマザーグースの世界観がすごい好きだったんですよ。実は他にも寺山の詩に音楽をつけた曲を作っています。マザーグースはもっと定型詩って感じで、Little Bo Peepも元々童謡みたいに作られているものだから曲は付けやすかったですね。」


【そして彼女達は前を向く - 象眠舎 (旧：小西遼ラージアンサンブル)】　





シーンが変わったというか、角田がシーンを作った


――角田さんは、ものんくるでも詞を書いているんですよね。

[角田]
「そうです。ほとんど俺が書いてるね。」

[小西]
「角田の作詞は本当に天才的。」

[井上]
「日本のジャズシーンでも一番早くからそういう事やってたよね。」

[小西]
「ものんくるになる前に、角田隆太カルテットみたいな感じでボーカルの吉田沙良が入ってっていうのを見て「すげぇ！」って思っていて。その後ものんくるが出来て、俺もメンバーとして中にいたんだけど、当時はどちらかというと曲の方に意識がいっていたんです。でもその後ものんくるとして活動して色んな曲が出来てきた時に、すごい歌詞がまぁ出てくる出てくる（笑）それがすごい好きになって、俺がアメリカに行った頃にはただのファンみたいになってたね。」

[角田]
「あの時にそういう事やってる人は居なかったから、あれ成功しなかったら相当痛い人としてカテゴライズされてただろうなって気はするよ（笑）」

[井上]
「俺から見るとここ2、3年くらいで、角田くんを取り巻く環境というか理解してくれる人がすごい増えたなと思っていて。」

[角田]
「増えたね。ありがたいことに。」


――ジャズのシーンにいてもやっぱり変化があったんですか？

[小西]
「シーンが変わったというか、角田がシーンを作ったからね。」

[角田]
「おっ！すごい話になってきたね（笑） 」

[井上]
「最初にやるっていうことが一番難しいからね。後に続くことは簡単かもしれないけど。」

[小西]
「明らかに切り込み隊長だったから。でも角田的には結構自然なものだったよね。」

[角田]
「そうだね。やっぱりバンドやってたからね。」

[石若]
「今、ジャズ・ミュージシャンが歌の入った「バンド」をやるって事がすごい増えてるような気がするな。」

[小西]
「増えてるよね。それは世代的なものが絶対ある。角田がその先駆けで。俺がまだアメリカに住んでた頃にものんくるのツアーで一時帰国した時、角田と「日本面白くなりそうだよね」みたいな話をしたんだよね。ポテンシャルとしてはまわりにそんなのはゴロゴロしてるって。その頃確かに俺の中にもあったし、みんなの中にあったと思うんだけど、「ジャズ・ミュージシャンでもポップスをやりたい」っていう気持ちが。エスペランサ・スポルディングとかロバート・グラスパーとか形は違うけど、ああいう人たちも自分達が聴いてきたポップネスが色濃く出ている音楽、ポップって言っていいのか分からないけれど、歌に関する物をやりたいっていうところから発生している音楽がかなり増えていた。アラン・ハンプトンとか、グレッチェン・パーラトとかベッカ・スティーブンスとか。カテゴライズとしてはジャズの方面だけど、聴く人が聴いたらハイブリッドな歌ものっていう。それはアメリカにいる間もすごく感じていたし。」

[小田]
「ベッカもジャズなんだ？」

[小西]
「まぁジャズだよね。」

[石若]
「最初は超ジャズシンガーだったよね。」

[小西]
「プロデュースとかまわりにいるミュージシャンがジャズで、レコーディングもジャズっぽい雰囲気になっていって、っていう文脈としてジャズの方になってるよね。彼女自身もニュースクール出身だし。でも、今の朋美の発言が代表するように「あれジャズなの？」ってなる人がいてもおかしくない。」


――クラックラックスも「ハイブリッドな歌もの」としても聞けそうですよね。

[小西]
「それは是非お客さんに訊いてみて欲しいな。」

[井上]
「クラックラックスは、それぞれが曲を書いてきてみんなで演奏しますが、自分達の音楽がどのジャンルに当てはまるのかは誰も意識していないと思います。なので、ハイブリッドな歌モノという言葉も、それは聴いてくれた人達がどう感じるか判断するものだと思います。 」

[小西]
「昔の人たちがジャズとかフュージョンとかしっかりカテゴライズされていたのは多分時代の流れがあって。有名な話だけど、チャーリー・パーカーだって現代音楽の勉強をすごいしてたけど、最後までビ・バップのプレイヤーだった。早くに死んじゃったけど、表現する可能性が広かったらパーカーは絶対ジャズじゃない作曲もやっていたと思うし。そうやって間口が広がっていった結果、俺たちはもうジャズっていうフォーマットでやらなくて良いし。もう全部あるから。聴いてきた音楽の中にそれが散らばっていて。」

[角田]
「今はもうパンクの代名詞になってるイギー・ポップがニューヨークに出始めた頃にライブを観に行った人に聞いたんだけど、「誰もその場でパンクっていう言葉を使っていた記憶が無い」って言ってた。パンクっていうのは後から付けられた名称なんだよねって話をしていて。僕達が今やってる音楽にも後々何か名前が付いたらいいよね。」


【「Goodbye Girl」PV CRCK/LCKS】

【東京】
出演：CRCK/LCKS
GUEST ACT : WONK
日時：2016年6月16日(木) 開場19:00 開演19:30
会場：月見ル君想フ（青山）
料金：予約2,500円／当日3,000円（いずれも＋1ドリンク500円）
ご予約・お問い合わせ：http://www.moonromantic.com/?p=30067


【名古屋】
出演：CRCK/LCKS、THE PYRAMID
日時：2016年6月20日(月) 開場18:00 開演19:00
会場：TOKUZO（名古屋・今池）
料金：予約2,500円／当日3,000円（いずれも＋1ドリンク）
ご予約・お問い合わせ：http://www.tokuzo.com/schedule/2016/06/620crcklcksthe-pyramid.php


【大阪】
出演：CRCK/LCKS andmore!!!
日時：2016年6月21日(火) 開場18:00 開演18:30
会場：LIVE SQUARE 2nd line（大阪）
料金：予約2,300円／当日2,800円（いずれも＋1ドリンク600円）
ご予約・お問い合わせ：http://www.arm-live.com/2nd/index.html#ticket

New Album

Title : 『CRCK/LCKS』 Artist : CRCK/LCKS LABEL : Apollo Sounds NO : APLS1605 RELEASE : 2016.4.20 【MEMBER】 小西遼(sax,etc） 小田朋美（vocal­,keyboard） 角田隆太（e.bass) 井上銘（guitar­） 石若駿（drums） 【SONG LIST】 1 Goodbye Girl 2 いらない 3 簡単な気持ち 4 スカル 5 坂道と電線 6 クラックラックスのテーマ

【CRCK/LCKS】

2015年4月に結成。
同年6月、菊地成孔が新宿ピットインで開催するイベント"モダンジャズディスコティー­ク"に出演し大きな反響を受ける。メンバーは2015年よりアメリカでの音楽留学を終え日本での活動を本格化し注目を集­めるリーダーの小西遼(sax,etc）／ 2013年にアルバム『シャーマン狩り』でデビューした作曲家の小田朋美（vocal­,keyboard）／ 2015年にフジロック出演を果たし今後の活動が注目されるバンド"ものんくる"のリ­ーダー角田隆太（e.bass)／ リーダーアルバムを既に２作リリースしている人気若手ギタリスト井上銘（guitar­）／ メンバー最年少ながら数多くのレコーディングやライブに出演、天才ドラマーとも呼び声­の高い石若駿（drums）

５人の若き才能が結集して作られるハイクオリティなポップミュージックは耳の早い音楽­ファンの間では既に話題となっている。2016年4月、パーカッショニストのASA-CHANGをゲストに招き、待望の1s­tミニアルバム『CRCK/LCKS』をリリース。

CRCK/LCKS BLOG