Title : 『Word of Mouth』
Artist : Jaco Pastorius


サックス奏者の矢野沙織です。
自分が一枚アルバムを選ぶとしたら、Jaco Pastorius『Word of Mouth』です。
このアルバムは凄く天国的で、多幸感が強く、素晴らしい一枚です。

収録されている中でも特に「John And Mary」という曲。
Jacoの息子さんと娘さんの笑い声が聞こえてきたり、ハミングや歌が入っていたりと
とても幸せを感じられる曲に仕上がっていて
自分が子供を産んで、改めてこの曲に向き合ってみると
当時Jacoがどれだけ子供に愛情を注いでいたか、ということが認識できて涙なしには聴けない、そんなアルバムだなと思います。


矢野沙織

My First Jazz

Title : 『Word of Mouth』 Artist : Jaco Pastorius LABEL : Warner Bros. Records RELEASE : 1981年 【SONG LIST】 01. Crisis 02. 3 Views Of A Secret 03. Liberty City 04. Chromatic Fantasy 05. Blackbird 06. Word Of Mouth 07. John And Mary

サックス奏者・矢野沙織とピアニスト・丈青による新プロジェクト"Besties our sounds."が始動！


2024年の初共演以来、共鳴し合う矢野沙織と丈青の二人が"音楽的な美"を体現するために制作された今作。ベーシスト秋田ゴールドマン(SOIL&"PIMP"SESSIONS)、ドラマー小名坂誠哉(PLAYERS x PRAYERS)らが参加。
書き下ろしのオリジナル曲含むジャズカバー曲をライブさながらの一発録りで収録。丈青が惚れ込んだ1901年製ヴィンテージ・スタインウェイ(Model C)による、コンサートホールでの録音が実現。スタインウェイ黄金期の名器が丈青のピアニズムによって奏でられる音色は絶品です。
現代ジャズに放つ2026年衝撃の一枚。CD/LPの2形態でリリースです。

また、リリース記念ライブが大阪・東京の2会場にて開催決定！！


<第 1 弾>
2026 年 6 月 26 日(金)
Billboard Live OSAKA(大阪)
出演 : 丈青(p), 矢野沙織(sax), 秋田ゴールドマン(b), 小名坂誠哉(ds)


<第 2 弾>
2026 年 6 月 30 日(火)
BLUE NOTE PLACE(東京)
出演 : 丈青(p), 矢野沙織(sax)

【矢野沙織】　
1986年生まれ 東京出身。
9歳のときブラスバンドでアルト・サックスを始める。チャーリー・パーカーに衝撃を受けジャズに傾倒、14歳でビリー・ホリデイの自叙伝に感銘し、自らジャズクラブに出演交渉を行ってライブ活動をスタート。
ジャズの名門SAVOYレーベル日本人アーティスト第2弾として2003年9月、16歳でセンセーショナルなデビューを飾る。モダン・ジャズの起源である"ビ・バップ"に真摯に取り組み、日本にとどまらずニューヨークでもライブを重ねる一方、テレビ朝日系「報道ステーション」テーマ曲に起用され、世に新世代ジャズの到来を知らしめた。

マイルス・デイビスとの活動で知られるジミー・コブが、3rdアルバム『SAKURA STAMP』発売記念ブルーノートツアーで共演した際には、「日本のキャノンボール・アダレイ」と絶賛。ニューヨーク2日間公演でも本場オーディエンスを圧倒し、初のライブ盤として発売。5thアルバム『Groovin' High』では、2度のグラミー・ウイナーに輝いたアレンジの神様スライド・ハンプトンや、ジェームズ・ムーディなど巨匠ディジー・ガレスピーのオールスターズと共演を果たす。以降、ムーディ氏との親交は厚く、カリフォルニアの自宅に招かれての2週間にわたる個人レッスンを受けている。

2007年春、花王"ASIENCE"の新たなアジアンビューティとしてCMに登場。同CMで使用されたオリジナル曲「I & I」を収録した、20歳にして初のベストアルバムは、第22回日本ゴールドディスク大賞 ジャズ・アルバム・オブ・ザ・イヤーを受賞。ジャズの枠を超えて広く注目を集めた。
同年11月、現代最高のオルガニスト、ドクター・ロニ--・スミス・トリオを率いて、通算7枚目となるアルバム『Little Tiny』をリリース。2008年12月には、アレンジに斎藤ネコ氏を迎え、敬愛するビリー・ホリデイの得意としたレパートリーに取り組んだ『GLOOMY SUNDAY』を発売。
そして、矢野沙織の原点とも言える、50年代のジャズ黄金期の楽曲を、ニューヨークで活躍する気鋭のミュージシャンたちを従え、ストレートアヘッドに聴かせる『BEBOP AT THE SAVOY』を2010年に発売。
2012年、10周年イヤーに贈る、原点に帰るファン･リクエストアルバム『Answer』。ゲストに世界的トランペッター日野皓正氏を迎えリリース。
2015年、SOIL&"PIMP"SESSIONSのメンバーである元晴（ts）とタブゾンビ（tp）、パーカッショニストの第一人者である大儀見元氏 率いる日本のキューバンラテンの重鎮バンド"サルサスインゴサ"をゲストに迎え、機軸は"Bebop"にすえながらも、ファンキー・ジャズ、キューバンラテンを盛り込んだアルバム、『Bubble Bubble Bebop』をリリース。
2022年6月、自身のプロジェクト「House of Jaxx」を本格始動。
2023年11月デビュー20周年、ストリングスアレンジに菊地成孔氏を迎え、「The Golden Dawn」をリリース。
2026年6月、 SOIL&"PIMP"SESSIONSのメンバー丈青と共に、ユニット「Besties our sounds. 」を結成。初のアルバム「rose garden 」をリリース。

Latest Album

Title : 『rose garden』 Artist : Besties our sounds. LABEL : Kamnabi Records RELEASE : 2026年6月24日 【SONG LIST】 01. rose garden 02. Drum Up 03. Fly Me to the Moon 04. I Fall in Love Too Easily 05. Billie's Bounce 06. Sakura 07. Salsa para bebe 08. I will 09. Besties our sounds (piano solo)

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Title : 『Sonny Side Up』
Artist : Dizzy Gillespie, Sonny Rollins, Sonny Stitt


みなさんこんにちは、曽根麻央です。
今日は1957年にVerveからノーマン・グランツのプロデュースで録音された『Sonny Side Up』というアルバムを紹介します。
このアルバムは、トランペット奏者でありビバップの創始者の一人でもあるディジー・ガレスピーがリーダーなのですが、タイトルの通り2人の"ソニー"たちがガレスピーの両隣に立ち、テナーサックスで熱いソロを繰り広げる作品になります。

この2人の"ソニー"たちは、40年代後半に圧倒的なリズムとテクニックで即興演奏を展開するスタイル（ビバップ）を築いたチャーリー・パーカーの意志を継いだ2人であることはもちろん、パーカーの死後、そこから各々のスタイルを確立していった人物たちだというのが重要なポイントです。

そのうちの一人、ソニー・スティットは、パーカーが演奏していた内容をより洗練させ、ポスト・ビバップの発展に貢献した人物です。アルトサックスの名手でもありますが、あまりにもパーカーと音色が酷似していたため、テナーに転向したという有名な逸話があります。

そしてもう一人、ソニー・ロリンズ。先月5月に95歳でこの世を去ったレジェンドですが、もちろんパーカーのリズム感やビバップのハーモニー感覚はそのままに、コード進行よりも演奏している曲のテーマやモチーフを深く追い求め、その形を変え、リズムを変えて展開していく、より熟考されたスタイルを持っています。
それまでのジャズ奏者にはなかったソロのアプローチを行い、モダン・ジャズの巨頭としてその名を残しました。

テナーサックスを代表する二人の演奏を、なかなか別の曲や異なるミックスで聴き比べても特徴がわかりにくかったりしますが、同じ曲、同じテンポ、同じミックスで演奏しているからこそ、その違いを鮮明に楽しむことができます。「今はどっちが演奏しているのかな？」と、人物ごとの特徴を思い浮かべながら聴くのもジャズの楽しみ方の一つ。このアルバムはそんな聴き方を教えてくれます。

また、アルバム3曲目（アナログ盤のB面1曲目）では、ピアニストであるレイ・ブライアントのピアノとアレンジをフィーチャーして、ブルースの定番曲「After Hours」を演奏しているのも興味深いです。このアレンジは、以前当レビューでも紹介したブライアントの晩年のアルバム『Plays Blues』にも収録されていて、彼のピアニスト人生を通して演奏されていたアレンジと言えるでしょう。
ブライアントのアレンジはピアノの音域が広く、ベーシストも自由に弾きすぎると音がぶつかってしまうため、そのアレンジをしっかりと理解して動く必要があります。
この『Sonny Side Up』では、実の兄であり「レイ・ブライアント・トリオ」のベーシストでもあるトミー・ブライアントが参加しているため、彼らの阿吽の呼吸の音楽が大きくフィーチャーされているのも嬉しいところです。


1. On the Sunny Side of the Street
1コーラス目のメロディの演奏の仕方が特徴的なアレンジです。G7(13, b9)のコードが吹き伸ばされると、ディジーのキュー（合図）でビバップ化された「On the Sunny Side of the Street」が始まります。オリジナルやルイ・アームストロングの有名なバージョンにはない細かい装飾音符や、8分音符とその裏拍のアクセントがアレンジされていて、パーカーの意志を継いだ人たちの、この時代ならではの演奏になっています。
ソロはスティット、ガレスピー、ロリンズの順番で演奏されていて、最後にガレスピーが歌って締めくくります。ただ歌うのではなく、オリジナルの歌詞を尊重しつつ、よりリズミカルに歌えるように言葉数を増やして韻を踏み、こちらも見事にビバップ化しているのがとても面白いです。ほとんどラップの原型に聞こえるような箇所もあります。
大好きな歌詞なのですが、調べてみても意外ときちんと書き起こしてくれている人が少ないので、ここに載せておきますね。

Grabbing up your hats, coats, boots and everything
Leave your worries on the doorstep 'cause we're going by and by
Just direct your feet, you look neat
On the sunny side of the street

If I never have one cent
I'll be rich as Rocky-feller
Gold dust at my feet
On the sunny, on the shady, on the sunny side of the street




2. The Eternal Triangle
こちらはガレスピーの書いた曲で、ジャズミュージシャンの共通言語的なフォームである「リズム・チェンジ」（ガーシュウィンの『I Got Rhythm』のコード進行が元になったもの）で書かれています。
ロリンズ、スティットが各々ソロを吹いたのち、二人が交互にソロを回す熱いトレードへと突入します。その後ガレスピーとブライアントがソロを演奏し、さらに最後にはガレスピーとドラムのチャーリー・パーシップのトレードもあるという、ジャズファン必聴の長尺・熱演ジャムセッションです。
ディジーのソロの特徴である、歯切れの良い明るいサウンドとリズムの中に、どこか喋っているかのような、ある意味では不安定なピッチのアンニュイなニュアンスが混ざる唯一無二の圧倒的な演奏が聴けるトラックでもあります。
ベースのトミー・ブライアントとドラムのチャーリー・パーシップが、伴奏としての役割の中でビートの"Follow and Lead"（追いかけ、引っ張る）の駆け引きをしている様子にも注目して聴くとさらに楽しいです。




3. After Hours
言わずと知れたブルースの名曲で、先述の通りブライアントのアレンジです。「スローブルース（スウィング）というのは、ゆっくりな4拍子とも言えるし、速い3拍子とも言える」というドラムの名手メル・ルイスとマックス・ローチのインタビューを以前リズムの歴史に調べていた時に見つけましたが、まさにその言葉を体感できるようなトラックです。




4. I Know That You Know
スティット、ガレスピー、ロリンズの順でソロをとっています。こちらも「The Eternal Triangle」と同様に、3者の特徴が実によく捉えられたトラックです。
特にガレスピーのソロは圧巻で、エンディングまで一瞬も隙のない華やかさがあります。

文：曽根麻央　Mao Soné

Recommend Disc

Title :『Sonny Side Up』 Artist : Dizzy Gillespie / Sonny Stitt / Sonny Rollins LABEL : Verve 発売年 : 1959年 　 【SONG LIST】 1. On The Sunny Side Of The Street 2. The Eternal Triangle 3. After Hours 4. I Know That You Know

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Reviewer information

曽根麻央　Mao Soné 曽根麻央は2018年にジャズの二刀流として、 ２枚組CD『Infinite Creature』でメジャー・デビュー果たしたトランペッター、ピアニスト、作曲家。 　幼少期よりピアノを、8歳でトランペットを始める。9歳で流山市周辺での音楽活動をスタートさせる。18歳で猪俣猛グループに参加し、同年バークリー音楽大学に全額奨学金を授与され渡米。2016年には同大学の修士課程の第1期生として首席(summa cum laude)で卒業。在学中にはタイガー大越、ショーン・ジョーンズ、ハル・クルック等に師事。グラミー賞受賞ピアニスト、ダニーロ・ペレスの設立した教育機関、グローバル・ジャズ・インスティチュートにも在籍し、ダニーロ・ペレス、ジョー・ロバーノ、ジョン・パティトゥッチ、テリ・リン・キャリントン等に師事、また共演。 　これまでにニューポート、モントレー、モントリオール、トロント、ドミニカ等の国際的なジャズ・フェスティバルに出演。 2017年には自己のバンドでニューヨークのブルーノートやワシントンDCのブルース・アレイ等に出演。2018年メジャー・デビュー。2019年には故・児山紀芳の代役でNHK-FM「ジャズ・トゥナイト」の司会を担当。また2020年公開のKevin Hæfelin監督のショート・フィルム「トランペット」の主演・音楽を務めるなど、演奏を超えて様々な活動の場を得ている。 　曽根は国際的に権威ある機関より名誉ある賞を数々受賞している。 2014年度フィラデルフィア『国際トランペット協会（ITG）ジャズ・コンペティション』で優勝。 同年『国際セロニアス・モンク・ジャズ・コンペティション』にて13人のファイナリストに世界中の応募者の中から選出。 2015年に地元・流山市より『ふるさとづくり功労賞』受賞。 2016年アムステルダム『"Keep An Eye" 国際ジャズアワード』にて優勝。 ●曽根麻央Official Site

Title：『My Song』
Artist：Keith Jarrett European Quartet


シンガーソングライター／サックスプレイヤーの渡邉瑠菜です。

私がご紹介したい"初めてのジャズアルバム"は、Keith Jarrett European Quartet の『My Song』です。

この作品を知ったのは高校生の頃でした。所属していたビッグバンド部に、毎週金曜日教えに来てくださっていたドラムの先生が教えてくれたのがきっかけです。

このアルバム全体を通して流れる、心が締め付けられるようなメロディーと、息を含んだ透明なサウンド。初めて聴いた時の感覚は、今でも忘れられません。この作品で初めて Jan Garbarek の演奏に出会ったのですが、あの音色と歌い方に心を完全に奪われました。

それまで私が知っていたサックスの音とはまったく違っていて大きな衝撃を受けたのを覚えています。私は中学・高校とアルトサックスを吹いていたので、ソプラノサックスやテナーサックスには強い憧れがありました。

他の楽器を吹いちゃいけないなんてルールは無いんですが、彼の音を聴いてからは、アルトサックスでも近いニュアンスが出せないか、ずっと模索する学生時代でした。
中でもタイトル曲の「My Song」と「The Journey Home」は特にお気に入りの楽曲です。

私は音楽一家で育ったわけではなく、中学のビッグバンド部をきっかけにジャズに触れ始めました。それまでは、インストゥルメンタルの音楽をあまり聴いてこなくて、歌詞のあるポップスに心を動かされることが多かったです。歌詞に共感して涙が出たり、前向きになれたり。

でも、歌詞のない音楽にここまで心がきゅーっと揺さぶられて、涙が出る。そんな体験をしたのは、このアルバムが初めてでした。

収録曲の「Mandala」は、実は最初に聴いた時はよくわからなくて、一曲だけ飛ばしていました（笑）。でも、聴き重ねるうちに少しずつこの曲の聴こえ方が変わっていって、その変化も含めてとても印象に残っています。今ではアルバムを通して、すべての曲が大好きです。

中学生の頃からビッグバンドを通してジャズの世界にのめり込んでいった私にとって、"美しくて、儚い音楽に涙が出る"という感覚は、この作品が初めて教えてくれたものでした。

今でもこのアルバムを聴くと、あたたかい気持ちで朝を迎えられます。
自分にとって、おまもりのような大切な作品です。

渡邉瑠菜

My First Jazz

Title : 『My Song』 Artist : Keith Jarrett European Quartet LABEL : ECM Records RELEASE : 1978年 【SONG LIST】 01. Questar 02. My Song 03. Tabarka 04. Country 05. Mandala 06. The Journey Home

 ■2026年3月27日に自身初となる1st Album「RETURN TO INNOCENCE」をリリース
 ジャズをルーツにもつ渡邉瑠菜が、インストゥルメンタルから歌ものまで、ジャンルの垣根を越えて描いたアルバム。
全10曲のオリジナルを収録。
クスッと笑ってしまうような愛おしい日常から、つらい気持ちにそっと寄り添う瞬間まで、さまざまな感情を音に閉じ込めた一枚。

RETURN TO INNOCENCE

私にとって、この作品は出発点となるアルバム。
「無垢に帰る」というテーマのもと、勇気を出して踏み出した先にある、何にも変えられない純粋なはじまりの場所を描いた。

それは、いつでも帰ることのできる、決して消えることのないあたたかい居場所。
ファーストアルバムとして、そんな想いを込めて名付けた一枚。

【渡邉瑠菜（Luna Watanabe）】
2002年11月28日生まれ。 
アーティスト／作詞・作曲・サックス・ボーカル 
​
サックスプレイヤーとして10代より音楽大学在学中からプロ活動を開始。 
Blue Note Tokyo All Star Jazz Orchestraのメンバーとして、シンガポール公演およびTaipei Jazz Festivalにリードアルトとして出演。 
これまでにINCOGNITO、Chris Potter、Steve Gadd、Larry Carlton、Blue Lab Beats、Manhattan Transferなどのアーティストと共演。 テレビ朝日「題名のない音楽会」に出演。 角松敏生のツアーおよびレコーディングに参加。 「PERSONA5 Special Big Band Tour」への参加、Montreux Jazz Festival 2025に出演。 
​
第54回 ヤマノ・ビッグバンド・ジャズ・コンテストにて、昭和音楽大学 Lilly Jazz Orchestraとして最優秀賞を受賞。 あわせて、歴代女性初となる個人賞・最優秀ソリスト賞を受賞。 
2024年、かわさきジャズ BRIDGEアーティストに就任。 同年、川崎市文化賞 アゼリア輝賞を受賞。 
富士五湖アンバサダー、山梨アンバサダーを務める。 
 
作詞・作曲・ボーカルを軸としたソロアーティストとしても活動し、 自身初のワンマンライブをBLUE NOTE PLACEにて開催。2026年3月27日に1st Album「RETURN TO INNOCENCE」をリリース。
ジャズをルーツにしながらも、ジャンルにとらわれない楽曲制作と、唯一無二の存在感で活動の幅を広げている。
https://www.lunawatanabe.com/

Latest Album

Title : RETURN TO INNOCENCE Artist :渡邉瑠菜 Label :INDEPENDENT Release : 2026年3月27日 【SONG LIST】 01. 手垢 02. I Keep On 03. 今様色 04. 雪溶け 05. まぁへーきずら 06. 星のまにまに 07. わすれがき 08. おばかっちょ 09. ひつじ雲 10. 帰り路

【KKBOX Podcast「My First Jazz」】
JJazz.Netとの連動によるオリジナルコンテンツ。
ジャズ・ミュージシャン本人の音声コメントをお届けしています。
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Title : 『Ifrikya』
Artist : Karim Ziad


アルジェリアが誇る名ドラマー、カリム・ジアド（Karim Ziad）のアルバムをご紹介します。

彼は、アルジェリアやモロッコといった北アフリカの伝統的なリズムを、現代の楽器やジャズ・ポップスのメロディーと見事に融合させるアーティストです。その卓越したビートは、民族音楽を深く探求するミュージシャンからも絶大な支持を得ています。

特に「Chaabi（シャアビ）」と呼ばれるアルジェリアのリズムが炸裂する「The Joker」「Gwarir」「Amaliya」の3曲は圧巻です。今回は、その不思議なリズムの仕組みについても少し触れてみましょう。

北アフリカの音楽はアラブ文化と密接に関わっています。聴き込むうちに、フラメンコや中東音楽との繋がりがうっすらと見えてくるはずです。アフリカ、中東、南ヨーロッパ----当時から人々が活発に行き交い、文化を交差させてきた歴史が音の粒から立ち上がってくるかのようです。

シャアビというスタイル自体は1930年代に成立した大衆音楽で、意外にも歴史は新しいのですが、その源流はさらに古く、アンダルシア音楽（Andalusi）やアラブ音楽の詩の形式「ムワシャー（Muwashshah）」にあると言われています。長い年月をかけてフラメンコなどと起源を同じくしながら進化してきた、まさに「歴史の結晶」のような音楽なのです。
シャアビが「難しく」聞こえる理由
我々のように西洋的な音楽教育を受けた耳にとって、シャアビのリズムが複雑に聞こえる最大の理由は、「一番低い音がくる場所が1拍目ではない」ことにあります。
シャアビの最小単位は6拍子（あるいは12拍子）で構成されています。

基本の6拍子：
１ ２ ３ ４ ５ ６

手拍子の柱（●）：
● ２ ｈ ● Ｌ ６ ｜ ● ｈ ３ ● Ｌ ６

このように「●」の位置で聴くと均等な4拍子のようにも錯覚しますが、低音（L）が「5」にくるため、重心が後ろに引っ張られるような独特の浮遊感が生まれます。さらに高音（h）や低音が奇数拍を強調するため、高度なポリリズムが自然に形成されるのです。

この「頭拍に重心が来ない」感覚は、ベネズエラのホローポ（Joropo）など、ラテン諸国の3拍子系グルーヴにも共通する魅力です。しかし、それぞれの地域で辿ってきた歴史は異なります。リハーサル現場で我々が「ラテンで！」という指定に「どのラテン？」と困惑してしまうのは、それだけ細分化された豊かな名前と歴史がリズムに宿っているからなのです。

ピックアップ・トラック
M9「The Joker」
まずはこの曲から。ピアノのミュート奏法による小気味よいベースラインに導かれ、アルジェリアの弦楽器マンドールやバンジョーが入ってきた瞬間、シャアビの世界が始まります。ベースラインの最も低い音とバスドラムが鳴る場所が、先ほどの解説でいう「5拍目」です。最初はここを「1」だと勘違いしてしまいそうになりますが、聴き込むうちにリズムの構造が立体的に立ち上がってきます。

M8「Gwarir」
シャアビ入門として最適です。「The Joker」よりテンポが上がり、さらに「1」が見えにくくなります。メロディーがトリッキーな位置にアクセントを置いているため、最初は耳が追いつかないかもしれませんが、一度ハマるとこの上なく心地よいグルーヴに支配されます。

M7「Amaliya」
アルバム最速のシャアビです。高速になると不思議とフラメンコに近い質感が増してきます。大きな拍の波を捉えるのがコツです。終盤のリードボーカルとコーラスによるコール・アンド・レスポンスが圧巻のエンディングまで一気に駆け抜けます。
普段の生活圏ではまず体験できない「3拍子の浮遊感」。アラブ音楽由来の独特な民族情緒を、ぜひこのアルバムで体感してみてください。

文：曽根麻央　Mao Soné

Recommend Disc

Title :『Ifrikya』 Artist : Karim Ziad LABEL : Act 発売年 : 2008年 　 【SONG LIST】 1. Ait Oumrar 2. Ya Rijal 3. Awra 4. Lebnia 5. Alouhid 6. Sandiya 7. Amaliya 8. Gwarir 9. Joker 10. Nesrafet

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Reviewer information

曽根麻央　Mao Soné 曽根麻央は2018年にジャズの二刀流として、 ２枚組CD『Infinite Creature』でメジャー・デビュー果たしたトランペッター、ピアニスト、作曲家。 　幼少期よりピアノを、8歳でトランペットを始める。9歳で流山市周辺での音楽活動をスタートさせる。18歳で猪俣猛グループに参加し、同年バークリー音楽大学に全額奨学金を授与され渡米。2016年には同大学の修士課程の第1期生として首席(summa cum laude)で卒業。在学中にはタイガー大越、ショーン・ジョーンズ、ハル・クルック等に師事。グラミー賞受賞ピアニスト、ダニーロ・ペレスの設立した教育機関、グローバル・ジャズ・インスティチュートにも在籍し、ダニーロ・ペレス、ジョー・ロバーノ、ジョン・パティトゥッチ、テリ・リン・キャリントン等に師事、また共演。 　これまでにニューポート、モントレー、モントリオール、トロント、ドミニカ等の国際的なジャズ・フェスティバルに出演。 2017年には自己のバンドでニューヨークのブルーノートやワシントンDCのブルース・アレイ等に出演。2018年メジャー・デビュー。2019年には故・児山紀芳の代役でNHK-FM「ジャズ・トゥナイト」の司会を担当。また2020年公開のKevin Hæfelin監督のショート・フィルム「トランペット」の主演・音楽を務めるなど、演奏を超えて様々な活動の場を得ている。 　曽根は国際的に権威ある機関より名誉ある賞を数々受賞している。 2014年度フィラデルフィア『国際トランペット協会（ITG）ジャズ・コンペティション』で優勝。 同年『国際セロニアス・モンク・ジャズ・コンペティション』にて13人のファイナリストに世界中の応募者の中から選出。 2015年に地元・流山市より『ふるさとづくり功労賞』受賞。 2016年アムステルダム『"Keep An Eye" 国際ジャズアワード』にて優勝。 ●曽根麻央Official Site

世界中で高く評価されたシャイ・マエストロ初のソロピアノ・アルバム『solo:Miniatures&Tales』に続き、ニュー・アルバム『The Guesthouse』が、2026年3月に発売されました。
シャイの創造世界の中心にある「内省と拡張」という二面性を際立たせ、境界が溶け合う豊かでシネマティックな空間を創り上げています。
ゲストにはグラミー賞2部門にノミネートを果たした最先端ジャズヴォーカリスト、マイケル・マヨ。ジェイコブ・コリアーのツアーバンドに参加する最注目シンガー・ソングライター MAROなど、現代の音楽シーンを牽引する超注目アーティストが参加しています。


jjazz.netではこの作品についてシャイ・マエストロにZOOMインタビューを行いました。　
今月の新譜紹介番組「PICK UP」ではそのインタビューの模様をお送りしています。

インタビュアーは、歌、ラップ、ビートボックスまでを自由に使いこなすマルチ・シンガー Nenashiさん。Nenashiさんの視点から、今作のシャイの想いを深掘ってもらいました。
音声とテキスト、合わせてお楽しみください！


[Interview：Nenashi]
[通訳：Miho Haraguchi]

Shai Maestro インタビュー

[Nenashi]　今回アルバム『The Guesthouse』をリリース。この作品について色々お伺いします。
昨年リリースしたアルバム『solo:Miniatures&Tales』からレーベルが"Naïve"へ移りました。制作環境やアプローチはどんな風に変わりましたか？

[Shai Maestro]　まず、それ以前にECMから２作リリースできたことはとても良い経験だったと思います。創設者のマンフレートと仕事をする中で、彼の美学に浸り、ともにECMのサウンドを探究している感覚でした。豊かで広がりがあって素晴らしい経験でした。
Naïveに移った今は、完全に別の側面へと足を踏み入れたような感覚です。前作『solo:Miniatures&Tales』は、以前より親密な作品になったと思いますが、ECMの世界にまだ少し近いサウンドだったとも思います。
今回の『The Guesthouse』に関しては、ゲストを招き様々なカラーを取り入れ、エレクトロニクスの要素が含まれる実験的な点でも、ECM時代とは正反対の作品に仕上がったと思います。
ECMとNaïveは全く異なるカラーやメンタリティを持っています。Naïveに移ってからリリースした２枚はそれらが共存し、より豊かな全体像を生み出しているかもしれません。　

[Nenashi]　今回のコンセプトについて。
ルーミー（13世紀に活躍したペルシア文学史上最大の神秘主義詩人）の詩『The Guesthouse』にインスピレーションを受けたとのこと。どういうイメージだったのかを教えて下さい。　

[Shai Maestro]　現在私はスペインに住んでいるのですが、その理由はこの場所でパートナーのGloriaとの出会いがあったからです。それが「Gloria」という曲のインスピレーションにも繋がっています。
彼女はバルセロナのすぐ側にあるブディズム・センター(仏教施設)の創設者のひとりで、私はそれをきっかけに仏教に由来する世界観や哲学に親しみを感じるようになりました。
そこに住んでいる先生が『Guesthouse』というタイトルを薦めてくれたのですが、とても良い考えだと思ったんです。長年自分が親しんできたルーミーの詩と強く結びついていると思ったからです。その詩のテーマは「受容」。どんな感情が訪れたとしても、遠ざけたり憎んだりするのではなくゲストとして受け入れる、ゲストが自分に何かを見せてくれたり教えてくれる存在である、という内容です。

今の世の中、暴力や拒絶、分断が蔓延していますよね。歓迎し共存する「受容」の心というものが、今の世の中には必要だと強く感じました。
それは音楽的にも素晴らしいコンセプトだと。様々なミュージシャンを自分の音楽へと招き入れ、彼らを受け入れることで自分自身をも変化し、広がっていく。そんなメッセージを伝えることができたらと、このコンセプトでアルバムを完成させました。

[Nenashi]　なるほど。ルーミーはスーフィー（イスラムの神秘派）。宗教は違えどどこか共通するテーマがあるのでしょうね。

それではサウンドについても伺います。
今作はエレクトロや、ポストプロダクションもあり、キーボーディストをフィーチャーしたりと今までとは全く違うアプローチですね。
また歌ものを取り入れ、作詞はシャイ自身だそうですね。どのような過程で進んでいったのでしょう？

[Shai Maestro]　プロジェクト全体を通して、その流れの中にずっといました。スタジオでアコースティック楽器を録音している間も、パソコンでは電子音を流してクリエイティブな流れを生み出そうとしました。
単にアコースティックな録音上にエレクトロニクスを重ねたわけではなく、生演奏と合わなければ新しく構築したり、また逆もあります。アコースティックとエレクトロニクスが互いにインスピレーションを受け合って進行していました。
常に色々なことが起こって、動く生きもののように有機的でダイナミックな作業でしたね。

今までのやり方を全て捨ててエレクトロの要素をたくさん取り入れたことで、自然な流れで「song」として形となっていたんです。そうなると必然的に歌詞が必要になっていき、そしてシンガーが必要になっていった。この作品はシンガーが中心のプロジェクトになるかもしれないと感じました。
そして歌う人をイメージし始めた。MARO や Michael Mayo が参加することが決まった瞬間に徐々に歌詞が湧き出てきました。
例えば「Gloria」の歌詞は完全に仏教的なもので、ハート・スートラからインスピレーションを受けています。仏教のお経の中でも最も美しいもののひとつと思っています。これは自分のパートナーGloriaに捧げる内容になっていますが、それはMAROが歌うことを想像することで降りてきた歌詞でもあります。

[Nenashi]　ハート・スートラとは般若心経のことですね。興味深いテーマです。

[Shai Maestro]　ハート・スートラは仏教における「空」の概念について語った美しい経典です。仏教の理論に深く立ち入るつもりはないけれど、そこには物事の虚構性、物事には始まりも終わりもなく変化し続ける、ということが書かれています。
「Gloria」の歌詞にはその考えが色濃く反映されている。自分にとって大切なテーマなんだ。

[Nenashi]　では、作品に参加したシンガーについてお聞きします。
MARO や Michael Mayo を迎えた理由を聞かせてください。

[Shai Maestro] まず私は二人の大ファンです。二人の歌を長年聴いてきています。
MAROは素晴らしい作品がたくさんありますが「HORTELÃ」という作品が特に大好きです。自分の人生のサウンドトラックになっています。オーガニックで誠実で、心をそのまま映し出したような音楽です。
彼女に歌ってもらった曲は飛行機の中で思いついて、そして歌詞が必要だと感じたんですね。

Michael Mayoとは Ben Wendelの「High Heart」で共演して以来の友人です。宇宙一のヴォーカリストだと私は思っています。彼のように歌える人は他にいないでしょう。ボビー・マクファーリンかジェイコブ・コリアーか、、、
楽器のように声を操るし、ハーモニーの知識があります。無理難題を彼にリクエストしてもやってのけてしまうんだ。
MAROもだけど、彼らの声のトーンが素晴らしいですね。Michael Mayoは特にジャズのバックグラウンド、またゴスペルの要素もある。彼がそれらを駆使して提案する音楽が素晴らしいんです。
シンプルで適切な音を使って、テクニカルで複雑なサウンドを奏でる才能があります。

[Nenashi]　私も Michael Mayo が大好きでライブに行きました。オンラインでプライベートレッスンを受けたこともあります。
シャイがおっしゃる通り声が楽器ですよね。まるでMIDI鍵盤を鳴らしているように正確で素晴らしいです。

[Nenashi]　Guesthouse Quartet としてのツアーがスタートしています。この作品の世界観をどう表現されるのでしょうか?　

[Shai Maestro] ギター、ヴォーカル、キーボード、サブベース、フルート、トランペットやサックスなど様々な楽器の要素が詰まった作品なので、それをステージで再現することはとても難しいところですね。
同時に、どんな状況でも演出が無くても通用・成立する曲を作るのが私のゴールでもあり、それこそが良い曲の基準と考えています。今回、ピアノトリオでツアーをする案も悪くはなかったのですが、制作にかなり力を入れたのでそのままステージに持っていきたいという気持ちは強かったです。
そうなると誰かの音と手を借りないとなりません。サンプラーやデジタル楽器を熟知しているだけでなく、ジャズプレイヤーでもある人間を探す必要があった。例えばクレイジーな変拍子や、即座の転調にも対応できるようなね。
そんな万能すぎる人いないと思っていたけれど、、、、以前 Michael Mayoと「Alone Together」をレコーディングしたときに現場にいた Gadi Lehavi。
彼はジャズミュージシャンでありながらサウンドエンジニア、映像制作までをこなすオールラウンダーだったんだ。彼しかいないと感じたよ。
それからは彼と一緒にたくさんの機材を駆使して、オタクみたいにひたすら作業する日々。作品のサウンドを良いかたちでステージに持って行けるようにね。
今回のツアーバンドのメンバーは柔軟性があるし、一緒に演奏していてハッピーだよ。

[Nenashi]　では最後に、日本のファンにメッセージをお願いします！　

[Shai Maestro]　親愛なる日本の皆さん！大好きです！
日本でのコンサートはなぜかいつも最高なものになる。
皆さんの音楽をきく姿勢、そして愛情を注いでくれているから、私たちの音が花開き、より深いものになるんです。次回の来日が待ちきれない、早くお会いしたいですね。

ありがとうございました！

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Shai Maestro
1987年、イスラエル生まれのジャズ・ピアニスト。5歳からクラシック・ピアノ、8歳か らジャズの演奏をスタートさせ、テルマ・イェリン国立芸術高等学校でジャズとクラシッ クを学び、その後ボストンのバークリー音楽大学へ入学。2006年からはイスラエル・ ジャズ・シーン確立の立役者の一人であるベーシストのアヴィシャイ・コーエン(b)のグルー プに参加し注目を浴びる。2017年には自身のバンドで東京JAZZのメイン・ステージで 演奏した他、これまでに度々来日公演を行なっている。2026年3月には最新アルバム 『ザ・ゲストハウス』をリリース。


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Nenashi(Singer)
歌、ラップ、ビートボックスまでを自由に使いこなすソウルシンガー、プロデューサー、Hiro-a-keyによるプロジェクト。
アジア人としてR&B 、ソウルミュージックを世界に向けて発信することに対するレッテルや先入観をなくし、純粋に音楽だけを聴いてほしいという思いから、共通言語である英語で歌い、国籍や顔などアイデンティティーを一切公表せずに活動を開始。
これまでアメリカ、カナダ、ブラジル、バハマ、アルゼンチン、韓国、香港、タイ、カザフスタン、フランス、イギリス、ドイツ、スイスなど20ヶ国以上の地域を転々と旅しては異文化に触れてきたHiro-a-keyは、自らを"根無し草"と重ね合わせ、アーティスト名をNenashiと名付ける。
2024年4月にリリースしたデビューアルバム『Found in Tokyo』では、Hocus Pocusの20syl (フランス)、J.LAMOTTA すずめ (イスラエル)、Daichi Yamamoto (日本)、FORD TRIO (タイ)、Mike Larry Draw (アメリカ) など世界各国の豪華アーティストをフィーチャー。
ストリーミングで総再生回数が1,100万回を越える。
そして2025年 1st EP『TIME SLIP』、2026年7月に2ndアルバム『MOMENT』をリリース。
1920年代から現在までのSoul / R&B、Jazz、Blues、HipHopを1つにまとめ上げるという壮大なテーマを掲げたEPが世界中の音楽ファンの間で話題となり、FUJI ROCK FESTIVAL、GREENROOM FESTIVALや、アジアのフェスなど国内外の大型フェスに多数出演、タワーレコードの広告シリーズ「NO MUSIC, NO LIFE.@」への登場、さらに中国、タイを巡るアジアツアーを果たすなど注目を集めた。
また、オーディオブランド「Beats」のスペシャルムービーのテーマ曲を担当。
ホセ・ジェイムズ、Chara、加藤ミリヤ、Aile The Shota、Ovall、Sincere、LHRHND、THE SUPER FLYERS、SMOKIN'theJAZZ、maeshima soshi、Snowk、Halia Beamer、Shigge、Mashoe、AVOCADO BOYSなど国内外のアーティストのプロデュース・客演・ソングライディング・コーラスを手がけるなど積極的に活動の場を広げている。
アイデンティティを明かした後もさまざまなジャンルや世界の文化からインスピレーションを得て、作品ごとに進化するNenashiの旅は続く。